Position I: of the International Movement

Pierre Garnier: Francia

Position I: of the International Movement (1963)

Si el poema ha cambiado 

Es que he cambiado  

Es que todos han cambiado  

Es que el universo ha cambiado

Los hombres son menos y están menos determinadas por su nación, su clase, su lengua materna, y cada vez más por la función que desempeñan en la sociedad y el universo, por presencias, texturas, hechos, información, impulsos, energías. Ellos han entrado en el espacio y ya han adaptado sus movimientos, antes sus pensamientos, sus inodo de vida a esta nueva libertad. La poesía se convierte, desde el arte a la acción, de la recitación de la constelación, de frase en la estructura, de la canción en el centro de la energía. Por años, grupos o investigadores aislados, que la mayoría del tiempo ignorado mutuamente y sin embargo, eran conscientes de la humanidad llamado a la vida funcional y cósmico, es decir, la metamorfosis que nos lleva más allá del miedo existencial, ha hecho en la dirección de una poesía que se puede dar el nombre general espacial (que incluye los conceptos de tiempo, la estructura, la energía):

Concrete poetry (la poesía concreta): el trabajo con material de la lengua con la creación de estructuras que, la transmisión de información principalmente estética.


La poesía fonética: basada en los fonemas, los organismos de sonido de la lengua y en general a todos los sonidos emitidos por los órganos vocales del hombre, elaborado en la grabadora y que tiende hacia la creación de sonido espacial.


Objective poetry (poesía objetiva): disposición pictórica, gráfica, escultórica y musical gracias a la colaboración de pintores, escultores, músicos y tipógrafos.


Visual poetry (la poesía visual): la palabra o de sus elementos tomados como objetos y los centros de energía visual.


Phonic poetry (la poesía fónica): el poema compuesto directamente en cinta magnética, las palabras y frases no sean tomados como objetos y los centros de energía auditiva.


Cybernetic (la poesía cibernética): de serie, permutación, verbofonico.


Porque tienen los siguientes puntos en común, estas diversas tendencias (que por cierto aparecen a menudo) pueden ser agrupadas en un movimiento (que deja a cada uno de sus promotores libre).


Este tipo de poesía tienden a convertirse en objetivo, es decir, ya no son ni los vehículos de contenido moral o filosófico o la expresión de un `yo´ social, que se pregunta en vano: "¿Quién soy yo?", la liberación de una energía , el intercambio de información estética, la objetivación de una lengua, siendo este último concebido como un universo autónomo (que contienen otros universos como el que contiene en ellos, de ahí su autenticidad). Todos estos poetas se dirigen hacia ese punto ideal donde la palabra crea a sí mismo, liberando así una realidad universal.


Estos intentos se complementan entre sí: las lenguas nacionales son cada vez más burocrático que a menudo se pierde su poder de encantamiento, los elementos restantes de vida de las lenguas debe ser liberado (concreto, el objetivo, la poesía visual) y estructurado por la renovación y posiblemente el cambio de las propiedades sintácticas y semánticas valores. Es una cuestión del abandono de las lenguas robot para su existencia de dormir y de encontrar los signos de los rayos, el sol llora, la enorme riqueza que existe en órganos de la voz del hombre que ha eliminado el uso común en el curso de los siglos (poesía fonética).


Paralelamente se crea una poesía francamente espacial de las estructuras, de los montajes, de las energías, la poesía `d´ la proyección de más de la proyección, destinado a "explorar" el espacio.


Este tipo de escapar de la poesía del viejo orden social y de los almacenes de las ideas disponibles, que ha permanecido inalterado durante miles de años, y en el que se abarcó a todas las revoluciones y perdidos. Por ejemplo: las lenguas indo-europeas que se basan en el tema infraestructura mismo verbo-objeto, en el que hasta nuestros días una forma de vida ha sido detenido.


Este tipo de poesía no se limitan a estudiar, así como el surrealismo, con la ayuda de fijo postulados lingüísticos, impuesta y, por consiguiente encarcelamiento: aislar el idioma, modificar, alterar a ella, liberando así su vitalidad profunda, crean nuevas estructuras (como acústica sintácticas, así como visuales, así como la semántica), provocando la aparición de situaciones desconocidas hasta ahora y poner al hombre en un entorno permanente de la creación y la libertad.


Siendo esto así, este tipo de poesía tiende más y más hacia la destrucción de la idea misma de una obra de arte en favor de la idea de la energía transmitida. Por ejemplo: una rama de las estructuras de la poesía concreta de los rendimientos, información estética, los regímenes creados a partir de conciencia, racional y metódica de experiencias, el "montaje" implica la total, así como la participación de pura del emisor y del receptor.


Otro ejemplo: el disco se trata de un conjunto de sonidos elaborados en la grabadora, transformado, purificado, construcción, comunicación, por último, el auditor sólo una estructura.


Este tipo de poesía en su diversidad, así como en sus tendencias comunes son las fuerzas impulsoras, que son el hombre regresa, liberada de un pre-lenguaje establecido impuestas desde la infancia, con su carga de ideas y morales, en la raíz de las fuerzas y trabajan allí con la ayuda de las técnicas más modernas y de la conciencia, como el cosmonauta en el espacio de la ética reside en la audacia de cambio. Alegría en la ausencia de certezas estrecho, la alegría en el mundo abierto como es, la alegría de la creación en la creación infinitamente amplio, este tipo de poesía no son "fijos", que son cada vez constantes. Es en este sentido que hay que entender esta posición de texto: hemos llegado a este punto, el 10 de octubre de 1963.

1. El lenguaje debe ser entendida como la totalidad de las funciones, las relaciones, las radiaciones, concreciones lingüísticas, sino también como los ruidos, los gestos, los silencios por medio del cual se injerta en el idioma directamente en el universo en que vivimos.

Tr. Irène Montjoye Sinor, MES.

`1963´

(De: Les Lettres, Nº 32)

Fuentes: Ubuweb

Las Meninas en 3D por: "Román Cortés"

CSS 3D: "Las Meninas"

He tomado el cuadro Las Meninas y he creado este efecto pseudo-3D con CSS. Es CSS puro, sin javascript ni flash; sólo código CSS y HTML.

Para la realización he usado tres imágenes: dos se corresponden al fondo (paredes) y otra de sprites (3 sprites: uno con el lienzo, niño y perro, otro con las meninas, y el último con la monja y acompañante). El posicionamiento de los sprites se realiza mediante hover en un total de 80 anchors. El lateral derecho de la habitación se ensancha y contrae para mejorar el efecto 3D.

Hay algunos truquitos para que el hover funcione correctamente, podéis verlos en el código fuente. Para que no interfieran las imáges en el hover, he usado distintos z-indexs y nbsps con tamaño de fuente de 455 píxeles: el mismo alto que el experimento en sí.

Funciona en las últimas versiones de los navegadores más usados y valida.

Explicación del efecto

Bastantes personas me han pedido que explique cómo hice y cómo funciona mi efecto 3D de las Meninas con CSS. En este post voy a intentar explicarlo al completo, empezando por la edición de imágenes y terminando con la parte de código html y css. Por favor, no toméis esto como un tutorial; va a parecerlo, pero el efecto es sólo un experimento y no está pensado para que sea útil ni una buena práctica de diseño web.

Encontrando el punto de fuga

Traza dos líneas (en verde) siguiendo las paralelas en 3d de la pared de la derecha hasta que se crucen. El punto de cruce (en amarillo) es el punto de fuga. Traza dos líneas siguiendo las esquinas inferior y derecha de la pared del fondo (en rojo). Una línea que pasa por el punto de fuga y la intersección entre las líneas en rojo (en azul) define la esquina que forma el suelo con la pared derecha.

Velocidad de movimiento de las capas

Al mover las capas para crear el efecto 3d parallax, la velocidad de cada capa ha de ser inversamente proporcional a su distancia vertical desde el punto de fuga al suelo. En la imagen, las líneas rojas horizontales son proporcionales en largo a esta distancia (primer teorema de Tales), y creo que así se entiende bastante mejor. Si en vez de mover el punto de fuga, moviésemos al espectador, la velocidad de las capas sería proporcional en vez de inversamente proporcional.

Recortando las capas

Esta es la parte en la que se tarda más: corta una capa y déjala aparte, rellena los huecos, corta otra capa y así. Obviamente no es necesario pintar las partes de la imagen que van a quedarse en el efecto.

Sprites CSS

En este ejemplo he usado la técnica de sprites CSS, que consiste en la toma de una imagen grande que contiene diferentes imágenes, y luego aparecen cortadas por CSS. Al reducir el número de archivos de un sitio web, deberán solicitar al servidor, recibe disminuido el tiempo de carga. Las capas de este aspecto:

En este ejemplo he usado la ténica de sprites CSS.

¿Cómo hacer un sprite CSS? Usa un element block al que le asignas de background-image el fichero de sprites, con el ancho y alto del sprite que quieras tomar y de backgrond-position la distancia hasta la esquina superior izquierda de la imagen de sprites completa. Recuerda que las posiciones del fondo deben ser negativas.

Efectos complejos de hover

Echemos una mirada de el siguiente código:

HTML:

CSS:

a img {position: absolute; top: 500px; left: 300px;}
a:hover img {top: 400px;}
a:hover span {font-weight: bold;}

Los navegadores actuales soportan efectos complejos de hover para todas las etiquetas y permiten cambios en etiquetas hijo causadas por el hover de etiquetas padre. En el ejemplo, al pasar el ratón por el elemento, la imagen que contiene cambiará de posición y el texto contenido en el cambiará a negrita. Como veréis, se pueden crear de esta forma efectros bastante complejos, modificando propiedades de diferentes elementos dentro de la etiqueta que causa el jouver.

¿Cómo se mueven las capas según las posición del ratón?

Hay 80 elementos verticales con hover de 5*455 píxeles cada uno, cubriendo así todo el area del efecto. Cada uno contiene elementos internos que definen la posición de cada capa, la imagen de fondo y la imagen lateral de fondo. Cuando el hover no está activo, todos los elementos internos con imágenes están ocultos con display: none. Cuando el hover está activo, las imágenes aparecen como display: block y en sus posiciones correspondientes. Estas posiciones han sido calculadas y están escritas en el código CSS directamente, para cada capa y para cada uno de los 80 elementos con hover. Esto es lo que “hace la magia”. Hay un problema en esto porque los elementos se superponen. Al activar el hover y mostrarse las imágenes, el navegador considera que todo el area pertenece a ese hover y no se puede cambiar de un hover a otro. La solución que encontré fue hacer una mezcla de z-indexs y spans con de forma que las areas de hover siempre permanezcan por encima de las imágenes. Esto parece que funciona bien en todos los navegadores actuales.

El lateral derecho del fondo

Código fuente

Un verdadero efecto de parallax no hubiese sido de sólo 4 o 5 capas, sino de una capa por cada pixel de altura del suelo/techo; 200 o 300 capas. El código html/css para ello sería muchísimo mayor, y los browsers actuales no podrían renderizarlo a una velocidad aceptable. Por tanto, tuve que buscar una forma con la que se viese lo suficientemente bien el efecto pero fuese más simple. Lo que hice fue dividir el fondo en dos partes, tal y como se ve en las imágenes superiores. Mientras la primera imagen sólo se desplaza, la segunda imagen de la pared de la derecha se desplaza y también se redimensiona.
No se puede redimensionar los sprites CSS, pero sí que se puede redimensionar los elementos asignándoles el ancho y alto deseado.


Agradecimiento especial, fuentes de: Román Cortés

Arte & Tecnología como laboratorio para pensar

Artículo de: Josu Rekalde

Del libro: "Arte y pensamientos en la era de la tecnología"

Facultad de Bellas Artes

UPV/EHU. (Sección audivisuales)

¡Hace casi solo cinco años de aquello!, todos estaban emocionados con, navegar, planear o surfear en la red (esta última palabra siempre me ha parecido la más pija). Me acuerdo que en un debate sobre Arte en Internet, al que asistí en el museo Reina Sofía de Madrid solo hablaban de las autopistas de la información, de la libertad que suponía Internet y de lo Guay e In que era ser un Hacker. Luego hemos visto que lo que llamaban autopista eran en realidad caminos de la Caperucita Encarnada de Telefónica y que los Hackers se ganaban la vida haciendo antivirus para el viernes 13 sin saber que aquí el día gafe cae en martes y 13.

El "espacio de libertad" se convierte en algo que engancha tanto o más que la tele, y algo que ya tiene más anuncios, galletas (Cookies) y bandas publicitarias (Banners) que telecinco y antena3. Bueno... pero como decía mi buen amigo chileno, pirata internauta desde Amsterdam del Sur, Mariano Maturana, allá por los encuentros de video de Iruña del 96, internet representa un espacio temporalmente libre para establecer redes de pensamiento, es preciso aprovechar la indefinición en el control que existe actualmente para crear esas otras redes humanas y poder pasar después de los peajes, controles y fronteras tan dañinos y que tan malos recuerdos me trae del pasado en estas mismas tierras que ahora piso. Esto me recuerda una noticia que vi en telediario de la semana pasada, en la que una Universidad cercana estaba orgullosa de ser la primera en encriptar toda la información que saliera de sus ordenadores, por la seguridad que eso suponía en cuanto a transmisión de información. Iluso de mí, pensaba que pecisamente a una universidad lo que más le interesa es difundir el saber que emana de los docentes y estudiantes, pero mira por donde ahora lo que más va a interesar es saber quien recibe la información, ya decía Umberto Eco que nuestra época se parecía a la Edad Media.

¿Que tien que ver todo eso que nos has contado con el Arte electrónico?, acaba de interpelarme interactivamente una inquieta oyente, o mejor dicho una inquieta escuchadora.
Pues bien el Arte de una época y mucho más el de la nuestra, no se reconoce ni se cuenta a través de las `obras aisladas´ de los artistas, sino contextualizadas en el pensamiento contemporáneo. Preguntas como: ¿Quién fue el primer artista en utilizar el video?, ¿Quien el primero en utilizar el CDRom, Internet o la Robótica?, solo valen para ocupar algún titular de efemérides como alguien se muere, pero poco más importa en cuanto al arte se refiere. En cambio hay una pregunta que a mi me ronda por la cabeza: ¿Teniendo en cuenta la convulsión sociopolítica que hemos vivido en el País Vasco, qué se ha transmitido de ello en las obras artísticas de estos últimos veinte años?.
Hoy leía unas declaraciones de un artísta vasco que decía que actualmente los artistas no pretenden transformar el mundo, que la característica o rasgo del nuevo milenio era el del individualismo como opción para descubrir preguntas sobre la vida y sobre el propio mundo. Menos mal que un poco antes había leído a Gunter Grass hablando de los peligros del individualismo como única salida al supercapitalísmo del milenio que nos viene. ¡Ufff!

Con viejas o nuevas tecnologías hemos entrado en la dinámica del `mercado contínuo de valores´, donde los artistas entran y salen de la lista de los cuarenta principales. Estamos en la cultura Klinex, las obras se "miran una vez y se tiran", ¡más madera! que decía Groucho Marx, o !más plusvalía! que decía otro Marx. Desde nuestras casas, solo nos quedará observar, cómo el poder económico dignifica el Arte rubricando con su valor la palabra de sus acólitos en los medios de comunicación dominados por ellos mismos. Pero para ese entonces, como ahora, el arte ya estará nadando en otro lugar.

...a la búsqueda de la inocencia tecnológica perdida.
La actualización tecnológica, se ha convertido en nuestros días en una necesidad y en una adicción, ya no existe un arte ligado a las nuevas tecnologías, en tanto que éstas son una realidad cotidiana. La actualización tecnológica está siendo una obsesión social alimentada por la industria informática, el software punto seis queda relegado en un mes por el seis coma uno y pronto saldrá el punto siete.
Cada nueva tecnología establece un nuevo reparto del poder mediático, que a su vez exige nuevas direcciones y nuevas búsquedas tecnológicas para arrastrar con ellas todo un universo esteblecido sobre la política mediática. Las empresas tecnológicas apuestan fuerte, cada nuevo evento-invento supone un avance económico importante, tras ellos los poderes económicos juegan con lo que ellos mismos han denominado valores tecnológicos, y que no son más que tapaderas de una pura especulación económica; los portales de internet son un ejemplo de este nuevo sistema de entender este mundo sin el mundo.

El juego del poder tecnológico se parece al juego del papel / piedra / tijera, la piedra o poder político rompe la tijera o poder tecnológico, la tijera corta el papel o poder económico y el papel envuelve a la piedra. El arte siempre está en un difícil equilibrio entre el mantenimiento de su autonomía y su dependencia social, pero esa es precisamente la actitud que le caracteriza a todos los niveles. Las actitudes artísticas que reflexionan con los nuevos medios, consiguen que los híbridos mediáticos, tales como la imagen y el sonido digital, independientemente de su función de comunicadores de masas, reflejen una capacidad de plasmar reflexiones, interrogantes y contradicciones a nuestra porpia cultura.
La reproductivilidad técnica que proponen los nuevos medios no puede llegar al infinito, de hecho el gran problema que plantea Internet es que su propia autoreproductibilida, provoca que mucha de la información más importante permanesca invisible. La reflexión de Walter Benjamin sobre el tema de la reproductibilidad y el aura del original se encuentra ahora cerrada en un bucle sin fin, el original no existe, todo es referencial, simulado o sintetizado partiendo de materiales artísticos anteriores.

Autómatas e Inteligencia artificial

El interés por los autómatas y la inteligencia artificial ha ido creciendo, en mi caso, soobre todo desde que he visto posibilidades de crear propuestas que se alejan de la pretensión de fabricar la ilusión de un Clon o un Alter Ego cibernético. Estas herramientas me dan la posibilidad de experimentar comportamientos Objeto/Sujeto diferentes, alejándome de una representación saturada de las imágenes. Ahora puedo crear entornos que huyan de las metáforas y respondan sin prejuicios del pasado de una manera directa, casi física, a las preguntas que nos hacemos siempre ante una obra: ¿Cómo puedo comunicar directamente al interlocutor de mi obra interactiva la intención de mi propuesta sin que por ello pierda interés? o ¿Cómo pienso que se va a comportar el visitante ante esta propuesta?

Fragmento: Apología III (1991)

Los autómatas se rigen al igual que la inteligencia artificial por un comportamiento programado, a una serie de informacionnes de entrada INPUTS se le asignan una serie de información de salida OUTPUTS. En esta especie de mini red neuronal el proceso permanece oscuro para el observador, al que solo se le ofrece un periférico gráfico u objetual con el que jugar como un joystick en un videojuego. El proceso de la información queda atrapada en la CPU del ordenador como en un oscuro laberinto y el observador solo se le presentan una serie de botones que accionan entradas a nuevos "espacios virtuales", que se resumen en imágenes, sonidos o textos. Ese proceso interactivo sigue siendo la puerta y el timbre para entrar a un nuevo espacio, pero ¿cuántas habitaciones necesita una casa?.

En este momento existe una saturación de "Puertas y timbres" y un déficit de interlocutores en su interior, es como en los museos de la ciencia donde crees que por tocar un botón ya conoces una reacción física o química.
En lo que a mi respecta, me interesan los entornos artísticos que hacen una reflexión más profunda del hecho mismo del deseo de ver algo nuevo, interactuar o accionar una programación, el deseo se ha convertido en el objeto clave, y es al que van orientados todas las estratégias publicitarias destinadas al consumo, hemos pasado de la época en el que consumíamos imágenes a una época en la que consumimos deseos de imágenes.
Mi experiencia en relación a este "constructo" llamado Arte es el de la reinvención constante de la propia historia y de mi recontextualización en ella, a menudo recurro por ello a la fabulación, al cuento que supone mi obra y al de mi propia historia como creador de imágenes y sonidos. Es en definitiva una visión particular entre el YO y el OTRO a través de la obra realizada desde la década de los ochenta hasta ahora. Un tiempo marcado por la transición tecnológica entre lo analógico y lo digital entre la ficción y la realidad entre la interactividad y la intromisión.

Josu nos habla de su trabajo: "Tecnología que utilizo en mis obras"

Me interesa que la tecnología sea lo más autoejecutable posible, ya que de otro modo se corre el r¡esgo que las instalaciones trecnológicas estén cerradas la mayor parte del tiempo que dura la exposición. Por ello aunque el diseño lo haga con el ordenador lo ideal, para mí, sería prescindir de él y sustituirlo por un c¡rcuito integrado. Muchas veces esto no es posible porque las obras que realizo son específicas para un lugar y se van a exponer solo una vez. Aspìro a que en pocos años tengamos una red de ingeniería electrónica específica para proyectos artísticos, en la que todos aportemos y recibamos información, e incluso tengamos soportes tecnológicos propios independientes de las grandes compañías. En mi trabajo diferencio entre la investigación de las posibilidades tecnológicas en sí mismas y la creación artística de entornos propios para una instalación, ya que éstas no siempre van ligadas al desarrollo tecnológico sino a una red motríz. En mis primeras instalaciones utilizaba circuitos electrónicos que me permitían distribuir las imágenes y los sonidos dependiendo de los sensores de infrarrojos que captaban al espectador. Después comencé a trabajar con el ordenador y los programas interactivos pero siempre accionándolo desde la porpia instalación, andando, soplando, pisando, etc. El proyecto actual (año 2003/4) consiste en la fabricación de un autómata que siga con expectación las imágenes de una pantalla, para lo que utilizaré tecnología robótica básica, que responda en parte a tareas programadas y en parte a frecuencias transmitidas desde la banda sonora del propio video.

Josu Rekalde

El libro contiene 17 breves textos que hablan de nuestro tiempo, nuestra cultura, y sobre todo de ciertas prácticas artísticas. Productos de este momento que, olvidando la era industrial, se centran en la actual era tecnológica pero, a diferencia de otro pasado, coincidentes en puntos de vista e inquietudes.

Con artículos de:
Marce, Lí Antúnez - Jesus Arpal - José Manuel Berenguer - Diana Dominguez - Mariela Cadiz - Javier Echeverria - Ricardo Iglesias - Andoni Ibarra - Eduardo Kac - Ignacio Mendiola - Konic - Mungi A. - Loles Petit - Agustín Ramos - Josu Rekalde - Carlos Sierra - Sculptor Zeta Cluster