lunes, 31 de marzo de 2008

40 th. Aniversary of CUADRATS

PARA GALERIAS WEBS Y FESTIVALES QUE DESEEN PARTICIPAR EN ESTE EVENTO

40 Aniversario de
CUADRATS, primer videoarte generado en Europa por Sarrey en 1968:


CUADRATS (Homenaje a Mondrian) de DOMINGO SARREY primer video-arte generado en Europa en el Centro de Cálculo de la UNIVERSIDAD COMPLUTENSE, MADRID 1968. Fue grabado por TVE, gracias a la colaboración de Enrique Martí Maqueda y Figuerola Ferretti. Sarrey colaboró como programador en dicho centro en los primeros años del Seminario de Generación Automática de Formas Plásticas, trabajando con ordenadores IBM. FICHERO COMPLETO ADJUNTO:
www.drivehq.com/file/df.aspx/publish/sarrey/wwwhome/CUADRATS/cuadrats.rar



SARREY PIONERO DEL VIDEOARTE Y NETART
TESTIMONIO - DOCUMENTAL
WIKIPEDIA CENTRO DE CALCULO
Image: Cuadrats.jpg
Domingo Sarrey - Wikimedia
Història del Videoart
SARREY CURRICULO
www.drivehq.com/file/df.aspx/publish/sarrey/wwwhome/fundacion.

CONTACTO: entropiavideo@gmail.com Entropia SL. CIF B 28903078c/ General Oraa 9 // 28006 MADRID - telfs : +34 696732443 // +34 915639462
NET ART
COLABORACIONES
TESTIMONIAL





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1. Exposicion de Sarrey en abril mayo 1979.

2. Endora es uno de la serie de “Planeta Mágico” de Sarrey`s Videoart.

3. Latidos urbanos”; Primera muestra de un video-artista en un museo europeo MEAC...meac videoart.

4. Plasma T1.

5. Primer Videoarte generado en Europa por Sarrey, en la Universidad Complutense de Madrid (1968)

6. CUADRATS (Homenaje a Mondrian) de Domingo Sarrey primer video-arte generado en Europa

en el centro de calculo de la UNIVERSIDAD COMPLUTENSE, MADRID (1968). Fue grabado por TVE, gracias a la colaboración de Enrique Martí Maqueda y Figuerola Ferretti. Sarrey colaboró como programador en dicho centro en los primeros años del seminario de generación automática de formas plásticas, trabajando con ordenadores IBM

7. La corrida matadora; Movida Madrileña;

Toros, Sexo y nuevas tecnologias. Realizado por Domingo Sarrey con la colaboracion de Nam June Paik y Jose Luis Lobera.

8. La Fura del Baus, video performance de la "fura dels baus" at "cabueñes 852 por Domingo Sarrey (1985)

9. Entropia

viernes, 28 de marzo de 2008

Beginning 08

Título: Beginning 08
Técnica:
Mixta
Medidas:
35,5 X 48 ctm

Año: 2008

comenzando un nuevo año...
un brindis doble...



Y la última del 07: 1

martes, 25 de marzo de 2008

¿ Arte ? - ( Parte 1/2 )

¿Que es el Arte?

...Dicen que eso que llaman arte hoy no siempre fue lo mismo.

¿Acaso… los Griegos que hicieron el Partenón hubieran considerado que era arte una naturaleza muerta de Picasso o un cuadro azul de Klein

Seguramente no, porque para ellos el arte era una técnica que trataba de representar o imitar la naturaleza desde la realidad más exacta y, además, no diferenciaban entre la música, la poesía o la pintura y otras actividades, aunque con aquellas technés especiales trataban de idealizar el mundo, representarlo de una manera casi perfecta, equilibrada, de ahí que si belleza ideal sólo existiese cuando hacían arte.

Ellos y los romanos, que tradujeron la palabra técnica como arte (ars) daban mucha importancia al significado de lo que hacían y nada se hacía porque sí, de manera gratuita, sino porque había que conmemorar algo y el artista era un ser “anónimo”, incluso los arquitectos eran meros artesanos, especiales... si, pero nada más. -¿Quién se acuerda del autor del Arco de Constantino?

Nos acordamos del emperador que lo encargó, para conmemorar su gloria, pero no del que lo concibió…

¡Que injusticia! ¿No?

Es cierto, pero el arte entonces servía para glorificar al poder o los poderosos y era cosa de unos cuantos: era como el sueño de entender el mundo como quisieran que fuera, no como era en realidad, así que la gente normal estaba al margen de todo. Por supuesto, no había exposiciones ni colas para ver las obras en los museos, puesto que nadie había pensado en tal invento, pero existían cuadros y esculturas y la misma arquitectura y la poesía como cosas útiles para unos cuantos, para eso que se llama élite, aunque el arte siempre fue elitista.

Entonces, ¿cómo fue combinado la manera de ver y de entender el arte o la técnica o lo que sea?

Después de los griegos y los romanos, es decir, una vez que acaba la antigüedad, la consideración de lo que era arte fue cambiando, aunque su significado nunca fue homogéneo afortunadamente. En los tiempos medievales y durante siglos, por lo menos desde la caída del Imperio Romano hasta el siglo XV, cuando se construyen las últimas catedrales góticas, el arte se escondió en la religión o más exactamente en las iglesias o en los monasterios clérigos, los monjes o los obispos se sienten responsables de guardar el saber y la cultura casi un patrimonio de ellos por ejemplo, a Nôtre Dame, ¿qué se puede pensar ante el tamaño aterrador de esa obra?

Que es una iglesia gigantesca que alguien que quería mucho a dios se encargó de levantar.

Desde luego, pero si nos situamos delante de la fachada y vemos el Pórtico de la Virgen, nos daremos cuenta de que el arte aquí sirve, además, para relatar una historia, es como si un libro estuviese abierto para explicar las verdades evangélicas a la población de aquella época medieval que era analfabeta y lo único que podía leer era las imágenes talladas en piedra.

El arte servía para instruir a los fieles y los artistas seguían siendo tan anónimos como siempre, eran simples artesanos que pertenecían a gremios y que seguían un aprendizaje del oficio hasta llegar a la categoría de maestros, categoría que solo conseguían algunos pocos. Y, a pesar de esto, estaba tan marginado el oficio de artista que cuando aparecen las universidades, allá por el siglo XV, el arte no alcanza la categoría de la gramática, de la geometría o de la música, por ejemplo; estas sí se comenzaron a estudiarse en la Universidad.

Sin embargo las cosas cambiaron en el siglo XV, en Italia: los burgueses italianos, que se habían enriquecido con el comercio por el Mediterráneo, pensaron que la vida merecía la pena vivirla y que el Dios que daba miedo de los siglos medievales anteriores podía compartir su gloria con la gloria de los hombres, así que comienzan a darle importancia al ocio y con su dinero van hacer grandes palacios y a proteger a los artistas. Recuperan los modelos clásicos de Grecia y Roma y el artista reivindica su nombre y deja de lado al anonimato.

Es cierto que el arte es idealista: trata de idealizar el mundo en sus representaciones, pero también trata de darlo a conocer. Leonardo da Vinci se siente un intelectual y cree que la pintura es una cosa mental: en el Renacimiento italiano de los siglos XV y XVI nace el arte conceptual, un arte que surge de los conceptos o ideas, no en los años sesenta del siglo XX, como se suele pesar, porque todo el arte es conceptual, se fundamenta en ideas y sin ideas no hay arte.

¿Quiénes disfrutan de esta situación…?

Disfrutan las élites y los Papas, que eran unos burgueses muy especiales e incluso llegaron a aburguesar a Dios con su idea de grandeza.

La belleza que busca Leonardo era tan simbólica como el vacío que vendía tu admirador Klein y, aunque el Papa o los Médicis no le iban a encargar sus tumbas, posiblemente entendiesen lo que había detrás de su color azul: los dos buscaban revelar el mundo a su manera y afirmaban su autoridad, se sentían artistas creadores, buscaban la belleza en el color y el misterio, no como una época medieval.

- ¿Podemos pensar que Ives Klein sería comprendido por Leonardo?

- Seguro que lo entendería mejor de lo que lo entendieron los franceses hasta hace muy poquitos años. La única diferencia entre Leonardo y Klein es que el italiano nos mostraba el cuerpo y el alma de los personajes y de la naturaleza y el francés, cuatro siglos después, se conformaba con mostrar el alma, pero tanto el cuadro de la Gioconda que está colgado en el Louvre como la Gran antropofagia en azul, el homenaje que Klein hace a Tennessee Williams, una obra que puede ver cualquiera en el Centro Pompidou, son dos formas de sonreir a la vida: de manera más feliz, una y otra de un modo más trágico o tal vez más simbólico. En realidad, Leonardo y Klein eran dos artistas obsesionados por la mística y la belleza y su arte en su momento no era de este mundo, por eso no fueron muy bien comprendidos hasta pasados muchísimos años después de su muerte. Ni siquiera Francisco Giocondo pudo comprender, en principio, la sonrisa de su mujer y Leonardo negó a explicársela.

A simple vista las formas son lo que son, pero los artistas se sentían libres en el siglo XVI. El problema vendrá en el siglo siguiente, cuando a alguien con poder se le ocurre crear las academias y, aunque nacieron en la Italia del Renacimiento, donde eran lugares de discusión de ideas en las que se combinaba la ciencia con el pensamiento y los artistas seguían siendo tratados como señores, decidieron poner reglas y trabas: la libertad del artista comenzaba a morir… porque es justamente en nuestra ciudad, aquí en París, donde surgen los modelos de academias más duros y hay que desconfiar cuando las normas del arte las dicta el Rey y su monarquía absoluta.

- ¿Qué significa esto?

- Que desde el siglo XV y durante más de dos siglos, los que tienen el poder, el Rey su gobierno, nos van hacer creer que para ser artista hay que conseguir una enseñanza de las Bellas Artes y cumplir unas reglas y el que no las siga no tiene nada que hacer: pensaba que obtener medallas y participar en los salones era suficiente para ser un buen artista. Menos mal que los Románticos, en el siglo XIX, se rebelaron contra aquellas normas. Al sentirse libres y al considerar que un artista no tenía que seguir las reglas que le marcaban otros, sino las que nacían de su propio interior, comenzaron a definir lo que iba a ser el arte moderno y la vanguardia. En su libertad y en su rebelión está el origen de toda una serie de preguntas que nos hacemos hoy sobre lo que es bello o no, sobre lo que significa una obra y si hay que entenderla para que te guste.

viernes, 21 de marzo de 2008

Bauhaus - (Manuscript)





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Bauhaus en Dessau


Walter Gropius
Manifiesto de la Bauhaus”, abril de 1919.


El manifiesto precede al ”programa” de la Bauhaus en un folleto de cuatro páginas editado por la escuela.
¡El fin último de toda actividad creativa es la construcción! La decoración de los edificios fue una vez la función más noble de las Bellas Artes, y las Bellas Artes fueron indispensables para la gran arquitectura. Hoy existen en complaciente aislamiento, y sólo pueden rescatarse de él con la consiente cooperación y colaboración de todos los artesanos. Los arquitectos, pintores y escultores deben otra vez llegar a conocer y comprender el carácter compositivo de una construcción, en su entidad y en sus diversas partes. Entonces su trabajo se llenará de ese espíritu verdadero de la arquitectura que, como “arte de salón”, se ha perdido.
Las viejas escuelas eran incapaces de conseguir esta unidad: y, realmente, ¿cómo iban a conseguirlo, si el arte no se enseña? Las escuelas deben ser absorbidas de nuevo por los talleres. El mundo de los diseñadores de modelos artísticos aplicados, consistente sólo en dibujos y pinturas, tiene que convertirse por fin y de nuevo en un mundo donde las cosas “se construyan”. Si el joven que goza con la creatividad artística empieza su carrera ahora como se hacía antiguamente, aprendiendo un oficio, entonces el “artista” improductivo ya no volverá a ser condenado a una tarea inadecuada, porque su capacidad quedará preservada para la artesanía en la cuál él puede alcanzar grandes conquistas.
¡Los arquitectos, los pintores, los escultores, todos debemos regresar a la artesanía! Porque no existe eso del “arte profesional”. No hay una diferencia esencial entre el artista y el artesano. El artista es un artesano exaltado. Por la gracia del cielo y en raros momentos de inspiración que trasciende a la voluntad, el arte puede surgir inconscientemente del trabajo de su mano, pero un fundamento de artesanía es esencial para todos los artistas. Ahí es donde radica la fuente primigenia de la creatividad.
¡Creemos, pues, un nuevo gremio de artesanos sin las distinciones de clase que levantan una arrogante barrera entre artesano y artista! Deseemos, juntos, concebir y crear la nueva construcción del futuro, que aunará todo – arquitectura y escultura y pintura – en una forma única que in día se elevará hacia los cielos desde las manos de millones de trabajadores como símbolo cristalino de una nueva fe que llega.


Fragmento de un discurso a los estudiantes durante la primera exposición de sus obras en julio de 1919 [STAW 132]

lunes, 17 de marzo de 2008

Pintura como espacio escultórico

Bocetos previos (estructuras II - a)











Procesos (estructuras II -b)











Porcesos (estructuras II - c)
Acrílico s/Papel; 18,5 x 1 mts [x2]


* Las imágenes citadas, solo son el "proceso" de trabajo


En la escultura, su objetivo es la realización de volúmenes en el espacio. La escultura se encuentra en el espacio; son cuerpos que se establecen en el espacio con volúmenes, masas, los medios de expersión se encuentran sometidos a disciplinas de ritmo y técnica.
Mientras que la pintura es el arte de expresarse por medios de figuras. Puede ser la representación de formas reales o llamada pintura figurativa; y la pintura no figurativa o abstracta. Los dos elementos esenciales son la línea y el color.



Quién dijo...

... que no se puede trabajar en grandes formatos con la pierna rota...?

jueves, 13 de marzo de 2008

Boceto (02)

Recordando aquellos pequeños bocetos...
in the study of the sheik


(Boceto previo - 2002)
Estudio: estructura, color, composición

Tentativa del hombre infinito (1925)


HOGUERAS pálidas revolviéndose al borde de las noches corren humos difuntos polvaredas invisibles…
CIUDAD desde los cerros entre la noche de hojas de mancha amarilla su rostro abre la sombra…
OH matorrales crespos adonde el sueño avanza trenes…
ESTRELLA retardada entre la noche gruesa los días de altas velas…
TUERZO esta hostil maleza mecedora de los pájaros emisario distraído oh soledad quiero cantar…
NO sé hacer el canto de los días sin querer suelto el canto la alabanza de las noches…
TORCIENDO hacia ese lado o más allá continúas siendo mía en la soledad del atardecer golpea tu sonrisa…
CUANDO aproximo el cielo con las manos para despertar completamente
sus húmedos terrores su sed confusa se suelta….
AL lado de mí mismo señorita enamorada quién sino tú como el alambre ebrio es una canción sin título…
ESTA es mi casa aún la perfuman los bosques desde donde la acarrean…
ADMITIENDO el cielo profundamente mirando el cielo estoy pensando con inseguridad sentado en ese borde…
VEO una abeja rodando no existe esa abeja ahora pequeñas moscas con patas lacres mientras golpeas cada vez tu vuelo…
EL mes de junio se extendió de repente en el tiempo con seriedad y exactitud como un caballo y un relámpago crucé la orilla…
DEVUELVEME la grande rosa la sed traída al mundo a donde voy supongo iguales las cosas
...la noche importante y triste y ahí mi querella…
…estoy de pié en la luz como el medio día en la tierra…
…quiero contarlo todo con ternura…
…centinela de las malas estaciones ahí estás tú…


Fragmentos: "Tentatia del hombre infinito"

lunes, 10 de marzo de 2008

La retórica de la imagen

Para hablar de retórica es necesario empezar con ciertos conceptos básicos sobre comunicación.

Estas dos instancias no están claramente delimitadas, no se puede precisar donde termina el sentido denotado y cuando empieza el connotado. En el caso del diseño, es necesario un mínimo nivel denotativo, puesto que la connotación es cultural y puede haber conflictos cuando se trata de valores personales. Cabe destacar que la delimitación de los grupos no garantiza la efectiva comunicación.

El vehículo que utilizamos para comunicarnos es el lenguaje, cuya unidad mínima de sentido es el signo, que sería como una imagen “mental” de otra naturaleza distinta a lo que evoca.Al signo lo dividiremos en significante (vendría a ser la representación en sí) y significado (el contenido que se le asigna). En la realidad es imposible separar estas dos entidades, pero se separan teóricamente para su mejor comprensión.

A cada significante le corresponde una cadena de significados, por eso se dice que los signos son polisémicos, es decir que poseen o pueden poseer varios significados.Todo signo tiene un significado que se lo considera denotativo. La denotación es la relación por la cual cada significado se refiere a un objeto, un hecho o una idea. El papel del receptor en este caso es pasivo (no pone en juego capacidades de interpretación, se supone que la asociación se hace automáticamente en el caso del significado denotativo).


Además de denotar, el signo se suele cargar de valores añadidos. Dichos valores varían según la persona, contexto cultural, entre otras variantes. A esta serie de valores añadidos se los llama “sentido connotado”.

El papel del receptor en este caso es activo porque se pone en juego una serie de mecanismos de interpretación que, como se dijo antes, varían según el contexto, la persona, etc.

La retórica de la imagen juega con los sentidos connotados, implica un juego mental, de interpretación, se encarga de decir las cosas no de la manera mas obvia, sino de un modo más sutil y elaborado, lo que hace más rica e interesante a la comunicación.

Toda imagen esta cargada de contenido retórico, en mayor o menor medida, y por eso se trata de controlar la carga retórica para que la interpretación siga el curso que el emisor de la comunicación quiere darle, puesto que puede haber tantas interpretaciones como personas haya. Para que la información pueda ser correctamente interpretada, es dirigida a grupos delimitados de personas. Cada uno de ellos posee características propias, y el conocerlas ayuda a preveer en mayor o menor medida la futura interpretación.



La retórica de la imagen...


La retórica puede aportar a la comunicación visual un método de creación. De hecho, las ideas más originales aparecen bajo la forma de figuras retóricas. En el caso del diseño, el proceso creativo se enriquece si los diseñadores tienen en cuenta el poder de este ejercicio semántico.


La función de la retórica es básicamente la persuasión. El objetivo de potenciar al mensaje consiste en que el receptor tomará frente al mismo una posición activa, de compromiso ideológico y podrá incluso llegar a modificar hábitos en su conducta.


Los recursos que se utilizan para operar sobre la imagen reciben el nombre de figuras retóricas. En ellas se enfrentan dos niveles del lenguaje: "el denotado y el connotado". Lo que se comunica a través de una figura podría haberse dicho sin ella de modo más simple y directo aunque no siempre tan eficiente ni tan rico.


La forma y el significado están en permanente juego interactivo y en el caso de las figuras se da una constante jerarquización de una sobre la otra.
La retórica en la imagen es un recurso muy poderoso, y como diseñador, estar al tanto de los mecanismos lingüísticos que utiliza, es una herramienta muy poderosa para el trabajo que realiza.





miércoles, 5 de marzo de 2008

The Mystery ...



* Henri-Georges Clouzot’s 1956 film, The Mystery of Picasso (Le Mystère Picasso)
Dispone algunos objetivos altos para sí. En sólo 75 minutos, Clouzot procuran destapar nada menos que "el misterio", no simplemente del proceso de pintura en Picasso, pero de la producción artística de sí mismo. Hablamos de meta-proyectos, metafísicos; la búsqueda para la verdad principal de capital-A "el Arte". A este fin, la película documenta la producción de 20 trabajos originales por Picasso.



Unos, los trabajos más tempranos en particular, son dados principalmente en la tinta negra, con un chapoteo de color aquí o allí; los otros, seguramente los finales, exploran una amplia gama de colores. Todos tienen este "Picasso", post-Picasso, el sentido sobre ellos. Usted conoce, el sentido casi regimentado de pinturas pintadas como "Picasso los habría pintado".

Ligeramente el resumen en la calidad, con la vieja escuela ocasional cubista prospera, las pinturas destacan en muchos de los sospechosos la iconografía habitual del maestro: mujeres y pechos de mujer, tauromaquia, escenas mediterráneas.

Barnes and Noble

* Video-documental recomendado (10/10)

domingo, 2 de marzo de 2008

Anatomías


En el transcurso del tiempo… ese que pasa por nuestras vidas…
Esos momentos… en los que quedan plasmados en un sutil papel…
Grabado como un bisonte de Altamira…

Suave… sutil… impregnado con el aroma de esos trazos…
En ese pequeño y grueso cuaderno que viaja de un lado a otro…

Toma apunte de momentos y lugares…
…en el hall de un aeropuerto, en el silencio y la calma de una playa… o al pasar y acostarse en la naturaleza o frente a una escultura de una pequeña plaza…

…como esa hoja…
El estudiar cada trama… cada arruga, cada desgarro que sufre una añeja roca en una playa desierta… refrescándose con esa ola que se transforma en inquieta y taciturna al llegar a su lado…

Como una caricia,…como esa caricia que en algún momento se le da al lienzo… antes, durantes o después de estar y trabajar con esa tela, con ese pigmento, con esa trama… con este firmamento…



Stravinsky