Fase II - (Nº2)

Fase II - (Nº 2/5)
Técnica: Mixta
Medidas: 35,5 X 48 ctm
Año: 2007

En la década de los años sesenta el artista americano de origen ruso Mark Rothko (1903-1970) pintó una serie de obras, conocidas como “Black Paintings”, que nos sitúan ante una superficie dividida en dos espacios; dos colores que tienden a fundirse en una unidad cromática. En un acrílico “Sin título” de 1970, probablemente una de sus últimas creaciones antes del suicidio ese mismo año en el mes de febrero, una débil franja en blanco cruza un gran vacío rojo de parte a parte. En los márgenes asoman otras mezclas anteriores. Parece como si durante los últimos años de su vida, Rothko hubiera estado obsesionado por conseguir un único es­pacio y una unidad de color. El trágico fin del artista podría expresar la inútil voluntad y el anhelo humanos por unir dos mundos separa­dos.

Las pinturas oscuras de Mark Rothko pueden ser entendidas como la representación sensible de un conocimiento extático que ha puesto entre paréntesis el mundo objetivo. Estas pinturas abstractas conducen al alma a contemplarse en el abismo desnudo de su identi­dad y plantean a la teoría del arte la posibilidad de considerar la expe­riencia estética a partir de la recepción de lo inefable, de la imagen absolutamente inteligible y separada; aquello que en el contexto del neoplatonismo cristiano se conoce como la “tiniebla mística” de Dio­nisio Areopagita o la “noche oscura” de san Juan de la Cruz.

Zen, mística & abstracción

Huella (III)

Titulo: Huella (Serie nº3)
Fotografía: Digital
Año: 2006

Desde los autores que han señalado el aspecto indexado de la fotografía cabe destacar dos posturas diferentes; la primera, más moderna, es la que afirma que una fotografía se puede considerar, a la vez, un signo indéxico e icónico. En este grupo está Susan Soutan, quien dice: “…la fotografía no es sólo una imagen (como la pintura es una imagen), una interpretación de lo real; es también una huella, algo recortado directamente de lo real, como la huella de un pie o una máscara mortuoria” (1). La autora pone al mismo nivel ambas características de signos, el segundo grupo, hay una actitud más radical, que defiende que la esencia de la fotografía es ser, en palabras de Barthes: “una emoción del referente” (2), haber sido producida directamente por la realidad. Esta postura encuentra su expresión más radical en Bazín, quien sostiene que la imagen fotografiada comparte el ser del objeto fotografiado, “es” el objeto mismo.

Hemos visto que el signo indéxico trabaja en la proximidad; es capaz de evocar la contigüidad que tuvo con su referente. Según Bazin, la proximidades tal que se identifican imagen y objeto, se anula toda distancia; esto choca con la concepción habitual de lo real, ya que implica que todo aquello que crea alguna alteración en un medio físico deja así su esencia allí grabada. Llevando este razonamiento a su extremo, no podríamos nunca hablar de la existencia de cosas individuales; y, en el campo del arte, si la fotografía es el objeto que representa, el cuadro es el pincel que lo ha pintado, y el pintor y las circunstancias que lo han llevado a la composición de esa obra, y el aire de estudio, y los tubos de pintura…

(1) - S. Soutan, op. Cit. p. 154

(2) - R. Barthes, op. Cit. p. 142

"Huellas & Sombras"
(Ignacio Pérez-Jofre ©)

Ver otra obra de la misma serie - (click sobre el número): 1 - 2

Deleuze

27/1/2006 - Alberto Ruiz de Samaniego (FBA)

Singularidad, multiplicidad en el deseo.
Construir en un individuo en una amalgama, construyendo nuestros deseos.
Corte / Acople
El deseo es una energía en flujos; no es un cuerpo, es una energía. Discurre y transmite en acople entre los órganos formando máquinas deseantes.
Deseo circular en las conexiones – es necesario los cortes.
Maquina deseante: madre – bebe.
La boca hambrienta que se acopla al pezón.
Es necesaria la separación. Existe la multiplicidad de máquina que se desprende.
El corte es definitivo. Si no existiese corte, la máquina es una representación que puede ser mortal.
Si se quedase pegado se fosilizaría.

“El imperio de los sentidos” - (1976)
El acople de carácter sexual, es incapaz de hacer un corte.
El deseo se petrifica en la locura.
Con las adicciones se vuelve traumática.
“El fantasma deseante es siempre grupal” – “El niño desea más que lo que otro desea” (D)
El objeto más deseado es el que desea más el deseo.
Plegar todo ese flujo en la masa social, molarizalo o encontrar una salida. Crear, revolucionar, transgredir con el deseo de volver molecular.
Lo molecular casi nunca es individual, es fragmentaria; trabaja por flujos.
Existen órganos de masas colectivas que no estén atrapadas en la molarización.
Hicieron que el deseo sea penetrable y tuviese salida.
No toda codificación es molar, codificante.
El deseo en sus líneas de fuga, codifica artísticamente.
El deseo de mantener relaciones sexuales (…)

Plusvalía de códigos: cuando una máquina deseante captura para otro código, un código para otra máquina.
Código de fecundar, captura el deseo del insecto engañando al insecto y retoma su vuelo que se ha convertido en un aparato.
El límite es el cuerpo sin órganos.
La sociedad está codificada, (todo territorio del deseo) se produce “Socius”: (cuerpo pleno)
Todos los órganos están codificados en; es un cuerpo social marcado por el poder.
El Socius: es cuando todo está codificado.
El Socius: es capitalista, todo calificado para el consumo. Triturar el deseo en codificaciones de consumo.
Tratar que el deseo:
Desterritorializar, abrirse caminos de fuga. Hay que ejercer lo inédito.
Como?
Intentar liberar nuestros deseos sin codificarlos, sin forma ni función.
La boca que habla; pensamos en la boca que habla por primera vez. Es desterritorializada del mero comer.
Esta es una apertura para territorios en el lenguaje.
La boca que poetizó: una nueva línea de fuga.

Tres grandes Socius: (el de la tierra; despótico y capital). De molarización total.
El cuerpo de la tierra, leyes no escrita sino por medio de tabúes, hábitos.
Socius de la tierra:
Marca sus leyes sobre los cuerpos de los ciudadanos. Se marca en el cuerpo. Lo recuerda al reo.
Socius despótico:
Forma de gobierno totalitarias. Está escrita en papeles. Todos son de valores. Es incapaz de saber su deuda.
Socius del capital: sociedades contemporáneas; privatizaciones del deseo. El asqueroso deseo; retracción del deseo al Edipo.
La sociedad capitalista está reducido al núcleo de la pareja o la familia.
El psicoanálisis ayudado al capitalismo.
La ley del deseo se rompe por las grietas; crear, revolucionar.
El invento puro y duro del capital es el consumo. El deseo se homogeniza, se ha encerrado en el papel moneda.Esta sociedad genera enfermedades, viven patológicamente.
El cuerpo de la tierra genera pervertidos; hace otros recorridos.
Cuerpo pleito genera la psicología paranóica.
La sociedad capitalista engendra psicosis esquizofrénicos.
Gran categoría abstracta es la categoría del consumo. Hay que consumir (sea lo que sea).
Siempre habrá flujos que escape del capitalismo. Se sitúa en los márgenes del Socius.
La máquina molarizante está siempre al acecho.

Idea de nomadismo: resiste el carácter nomadico del deseo porque hay flujos. Hay pulsión de máquinas
El sujeto se construye en lo molar y lo molecular. El deseo es nómada; es pura potencia.
Cuando el deseo es nómada pasa a la conciencia; establece puntos de conexión.
“Hacemos el amor con infinitas máquinas” (D)
Nuestro deseo proviene de una multiplicidad.

Click en el número para leer la charla del día anterior: 1

Cosecha de invierno

(Boceto previo)

(Prueba figura-color)

(Final)

Técnica: Mixta, s/Papel

Medidas: 21 X 29 ctm

Año: 2003

Series realizadas en la aldea de "Friamonde" - (Taboada) - Lugo.

Sobre diversos temas (dibujo-fotografía); realizados sobre la vida en el campo, trabajos agrarios y la naturaleza.

Fantasmas Azules

En el campo de mis sueños rojos

Fantasmas azules han invadido mi cuerpo

Y su aliento azul me roba las venas

Que ayer a la tierra me ataban

En un muro blanco como sepultura

Nos tumbamos para contemplar estrellas

Sus manos pisaron mis manos

Sus ojos mi cuerpo lamieron

En el campo de los sueños rojos

Llovieron plumas

Como un manto me cubrieron

En la sepultura de barro

Sus cóncavos picos se volvieron nobles

Fantasmas azules con formas de pájaro

Liberados de la jaula del cielo

Sin alas

Visitaron ayer mi azul mente

Hasta que mi sombra

Quedó derramada por el suelo

Nuria Ruiz de Viñaspre

Mis pequeñas (III)

Serie: Mis pequeñas -(2006)
Técnica: Mixta s/Papel
Medidas: 100 X 100 ctm
Año: 2006

Pinturas Negras (1819 - 1823) es el nombre que recibe una serie de catorce cuadros de Francisco de Goya pintados con la técnica de óleo al secco (sobre la superficie de revoco de la pared) como decoración de los muros de su casa, llamada la Quinta del Sordo, que el pintor adquirió en febrero de 1819 y que fueron trasladadas a lienzo en 1873. Actualmente se conservan en el Museo del Prado de Madrid.

La serie, a cuyos óleos Goya no puso título, fue catalogada en 1828 por el amigo de Goya Antonio Brugada y se compone de los siguientes lienzos: Átropos o Las Parcas, Dos viejos o Un viejo y un fraile, Dos viejos comiendo sopa, Duelo a garrotazos o La riña, El Aquelarre, Hombres leyendo, Judith y Holofernes, La romería de San Isidro, Mujeres riendo, Peregrinación a la fuente de San Isidro o Procesión del Santo Oficio, Perro semihundido o más simplemente El perro, Saturno devorando a un hijo, Una manola: doña Leocadia Zorrilla y Visión fantástica o Asmodea.

Una reciente teoría ha querido atribuir la autoría de las Pinturas Negras a su hijo Javier; sin embargo Bozal y Glendinning, dos de los máximos conocedores de la obra pictórica de Goya, rechazan esta hipótesis. Es difícil imaginar que este hecho extraordinario no fuera conocido por sus contemporáneos. La técnica pictórica, la calidad de la pincelada, los tipos humanos grotescos, los temas obsesivos, que ya están presentes en la obra goyesca anterior y posterior, hacen infundada la atribución a Javier Goya.

Ver otras obras de la misma serie - (click sobre el número): 1 - 2

Lluvias en diciembre...

3 / 7 / 2005

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Antolín (30/10/1943 - 16/12/1989)

Despertar cada mañana con el sueño de volver a ver ese ser, donde una tarde gris le designo su partida por los senderos en esta vida...
Anhelando los días y las horas que pasaron; esos maravillosos instantes quedaron grabados en el cajón de los recuerdos de un sereno corazón...
Esa serenidad y tranquilidad que transmitía su persona, es lo que me guía en esta vida cargada de tropiezos...
Este corazón dolido por esa espina clavada en el pecho, donde un dios tenebroso quiso que quedase grabado en este corazón agrietado por tu partida...

Cenizas que dejo; cenizas que fueron y hoy son estos recuerdos, conmemorando tu gracia divina por un gris tinte escrito en un renglón...
Escribo, dibujo y pinto, gracias a tus palabras y gracia divina; donde una sinuosa noche encandilo a seguir una carrera que dictaminó el corazón...
Este instante en que siento que estas a mi lado; y no sentir esa soledad de tu ausencia en este instante reflejado en letras...
Son muchos los días que e afrontado como en desesperación viviendo si ti, mientras busco encontrar algún día tu esencia...

Que nunca volverás por esta tierra bien lo sé; pero en este viaje de alucine, encuentro ese puerto donde nos vemos cada día...
Me siento devorado por dolorosos sentimientos perpetuos, donde una conciencia tranquila anima a seguir los pasos en esta vída...
Por una visión nublada hasta las gotas, donde no se entiende lo que ha pasado en esa tarde gris donde comenzó a llover...
Que no pare de llover es inevitable; solo con el espíritu donde juró que volvería con su ropaje reluciente de amaneceres...

Un ángel se fue volando por un destino de ensueños, donde los ángeles llueven por tormentas devastadoras...
Como sería vivir sin esta pesada carga, donde un cruel puerto me encomendó llevar bajo esta añeja espalda golpeada...
Como quisiera poder abrir ese cielo, donde un viento cruel con un desgarrador pulmón así absorbió...
Algo se ha ido en este mundo físicamente, pero lo que no se ha ido por siempre, es este amor que siento hacia ti...

...y a ti Adrián

Deren & Duchamp

Trabajo inacabado por Maya Deren con Marcel Duchamp. Recuerda Primero los Papeles del Surrealismo: mismas amenazas, mismos deseos...

(1º Parte)

Eleanora Derenkowsky: nacida en Kiev. Ucrania en 1917. como resultado de su padre con la simpatía por León Trotsky y antisemitas diversos programas del estado; su familia se vio obligada a trasladarse a Syracuse, Nueva York, en 1922. Oco después el nombre de la familia se redujo a Deren y en 1943 el nombre de la familia cambia su nombre por Maya Deren.
En 1943, empezó la película inconclusa “With Cradle”, con Marcel Duchamp. Durante este período fue influenciado por las ideas de André Breton, John Cage y Anais Nin.Después, la maestra de arte Maya Galka Scheyer presentó a los arquetipos de Jung y la comunidad de obras de arte. En colaboración con su segundo marido, el Czecholovakian Alexander Hammid, quien le enseñó las técnicas cinematográficas. Deren produjo su primer y más notable película experimental "Meshes de la tarde" (1943); el despertar de América vanguardista. En 1947 ganó el Festival de Cine de Cannes del Gran Premio Internationale. Además de su cine, conferencias, enseña, y escribió extensamente sobre la película independiente. Ella fundó la "Creative Film Foundation", que proporciona financiación y apoyo a los cineastas independientes. Maya Deren falleció en Nueva York en octubre de 1961 después de un accidente cerebrovascular. Sus cenizas fueron esparcidas en el Monte Fuji de Japón. En 1986 el American Film Institute Maya Deren creó el Premio a apoyar el cine y el vídeo independientes encargados de la formulación, reconociendo, el esfuerzo de Deren 's a lo largo de la vida.

(2º Parte)

Marcel Duchamp: Artista francés (se convirtió en ciudadano de EE.UU. en 1955); creó nuevos límites entre las obras de arte y objetos convencionales. Lo fundamenta de las teorías y las ideas han sido una fuente constante de inspiración para los movimientos de vanguardia, Dadá y el Surrealismo al arte conceptual. Causados por el fervor "Nude Descending a Staircase - Nº 2" y su sarcástico irreverencia de las normas convencionales de estética lo llevó a concebir su famosa y precursora ready-made y más tarde construyó las bases de una nueva revolución artística. Como artista y la lucha contra el artista; Marcel Duchamp es considerado uno de los principales espíritus de 20th-century. Con la excepción de la "Nude Descending a Staircase - Nº 2"; sus trabajos fueron ignorados por el público en la mayor parte de su vida. Hasta 1960 sólo esos grupos de vanguardia como los surrealistas afirmó que era importante, mientras que a otros círculos de arte y críticos que parecían ser simplemente un excéntrico y algo de un fracaso. En el año 1960, cuando la nueva generación de artistas americanos entendido que Duchamp había encontrado respuestas para muchos de sus problemas. Muchos homenajes vinieron a él de todas partes del mundo. Muestras retrospectivas de sus obras se organizaron en América y Europa. Aún más sorprendente fueron las réplicas de su ready-made producidos en ediciones limitadas con su permiso. Su trabajo fue psicológicamente significativa, humorístico, y curiosamente inquietante, con ingenioso punning títulos que añadir a nuestra perplejidad y disfrute. Esos títulos se atribuye también a su "Ready-Made", cuyo principio es que la creación de una obra de arte no se limita a la destreza manual, pero puede deberse a la imaginación y la visión del artista. Tuvo que esperar casi 40 años antes del ready-made se consideraban más que un gesto derive en contra de la excesiva importancia que se concede a las obras de arte, antes de que sus valores positivos se entiende. Con la ready-made, de arte contemporáneo en sí mismo, se convirtió en una mezcla de la creación y la crítica. Justo antes de su muerte, por último; su actitud hacia el arte y la sociedad lejos de ser negativa o nihilista, ha llevado a la manera de un nuevo tipo de arte. En comparación con la expresión visual que vino antes, este nuevo arte pretende comprometer a la imaginación y la inteligencia en lugar de sólo los ojos, incluye el humor como un componente estético, y se esfuerza por retratar mundos invisibles en lugar de sólo visibles. No solamente el cambio de las artes plásticas, sino que también cambió la mente del artista.

Sound by Marcel Duchamp - (1919)

Serie Nº XIII - (06)

Serie: Nº 13 - (2006)
Técnica: Mixta s/Papel
Medidas: 50 X 70 ctm
Año: 2006

lunes, 26 de noviembre de 2007 - (1am)

Marinero que navega por mares de amores... esos mares repletos de sirenas, de las cuales reluce la más bella estrella en las profundidades...

Estrella que alumbra esos mares... ilumina con la pupila de sus marrones ojos en este viaje de rojo color... pasión... sentimiento... rumbo sin guía por los mares a la deriva...

Las estaciones del año bajo el mar no se sienten... tan solo con la calidez que su corazón enciende una tarde nublada por mares descontrolados en oleajes...

Ver otras obras de la misma serie - (click sobre el número): 1 - 3 - 4 - 8

De lo espiritual...

Medida: 35 X 48,5 ctm
Año: 2007

"Después de Goya, comienza la pintura moderna"

André Malraux

Sound by "Malher" - (Symphony Nº2)

Garra Matérica (Nº 2)

Garra matérica (Serie Nº2 /10)
Medidas: 30 X 42 ctm
Técnica: Tinta china s/papel
Año: 2006

"La libertad de la voluntad, que en sí misma no es otra cosa que libertad del pensamiento, está limitada de la misma manera que la libertad de pensar. El pensamiento no puede ir más allá del horizonte hasta el que se extienden las ideas; sin embargo, éste se basa en las percepciones que se van adquiriendo y puede ampliarse conforme lo hace. Asimismo, la libertad de la voluntad puede expandirse también hasta ese mismo punto, si bien, dentro de tales confines, es ilimitada. Otra cosa distinta es el obrar de la voluntad; la facultad de hacerlo se nos impone de manera fatalista".

Fagmento: "Libertad de la voluntad y Fatum" - F. Nietzsche (1856-1869)

Ver otras obras de la misma serie - (click sobre el número): 4