sábado, 1 de agosto de 2009

Paul Klee & la Bauhaus

Cuando Paul Klee asumió las funciones de 'Meister’ (maestro) en la escuela de la Bauhaus de Weimar, en enero de 1921, ya era un célebre artista de vanguardia.
Claramente socialista, la escuela pretendía "derrumbar la barrera arrogante entre artesanos y artistas".
El lema de la Bauhaus era: "arte y tecnología, una nueva unidad". De inspiración socialista, la escuela quería crear una nueva corporación de artesanos, según Walter Gropius, su fundador.
Durante los primeros años de la Bauhaus un artista era encomendado a un artesano partiendo de la idea de que cada uno era la mitad de un todo. El primero se encargaba del curso de contenidos formales; el otro, del curso práctico.
Como 'Meister’ (maestro) Paul Klee comenzó a enseñar primero encuadernación y, más tarde, pintura sobre vidrio y pintura mural. La nueva tarea lo obligó a poner claridad en sus ideas en el campo teórico de la creación artística.
Antes de formar parte de la Bauhaus las consideraciones de Klee en este terreno eran de naturaleza privada. Figuraban en sus diarios y en las cartas enviadas a su esposa Lily, pianista de talento y, a menudo, en giras que la alejaban de su casa.

Profesor concienzudo

Consultado por swissinfo, el académico Wolfgang Thöner, de la Fundación Bauhaus, en Dessau, recuerda cómo Klee era un profesor esmerado: "Preparaba sus lecciones en los más mínimos detalles, quizá como ningún otro profesor de la Bauhaus".
Sin embargo, las reacciones de los estudiantes a su forma de enseñar eran contrastadas. "Si hay algo en lo cual los estudiosos de Klee están de acuerdo es en la afirmación de que sus lecciones eran intelectualmente pesadas. Algunos alumnos no lograban captar el sentido. Otros se divertían y aprovechaban mucho", añade Thöner.
Otra característica de la enseñanza de Klee era su costumbre de subrayar que su estilo no era el único. "A diferencia de otros profesores, indicaba con énfasis cómo había llegado a ciertas decisiones y no era dogmático", afirma Thöner.

Teorías

Las teorías que Paul Klee desarrolló durante este período se hicieron evidentes en su trabajo. "Tenía una comprensión dinámica de la forma y en sus llamadas 'pinturas cuadradas’ pueden verse los moldes que desarrolló sistemáticamente", precisa Wolfgang Thöner.
Existen sin embargo otros testimonios según los cuales Klee no tomó en serio sus compromisos docentes. Algunas veces no se presentaba en las clases para dar sus lecciones, sin preocuparse de advertir a los estudiantes o a los colegas y los llamados de la Bauhaus para que regresara a Dessau caían en el vacío.
La actitud de Klee frente a estas presiones aparece en una de sus respuestas: "Antes que nada soy un artista que trabaja...", decía.

Vida burguesa

Los años pasados en Dessau permitieron a Klee y a su familia disfrutar de la comodidad de la clase media alta: buen salario, un trabajo respetable y una gran casa con un precioso estudio diseñado por Gropius.
"Klee había querido siempre tener una vida burguesa y, en Dessau, había alcanzado el apogeo", subraya Thöner.
Klee estaba orgulloso del título de profesor que tenía en la Bauhaus y de los privilegios asociados a la función. Cuando la escuela atravesó dificultades financieras, a finales de los años veinte, Gropius propuso a Klee una reducción de su salario, pero éste rehusó. Hubo un momento en que Klee llegó a ser el profesor mejor pagado.
"Naturalmente, esta era una contradicción. Era el artista de vanguardia y se mostraba un poco evasivo, pero buscaba el reconocimiento burgués", aclara Thöner.
Según Thöner, Klee estaba contento con su vida en Dessau y con gusto hubiera pasado allí el resto de sus días.

La ruptura

Pese a todo, algunas fisuras comenzaron a aparecer en su paraíso. Para Klee resultaba cada vez más difícil conciliar sus ideales artísticos con aquellos de la Bauhaus.
En una carta enviada a Lily en 1928, escribía: "Las exigencias que vienen de dentro y de fuera son tan grandes que pierdo el sentido del tiempo...me persigue mi mala conciencia...".
Klee decidió entonces abandonar Dessau y la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf le ofreció un puesto en 1930. Un año después aceptó la nueva posición dejando a su familia en Dessau. Los suyos iban a reunirse con él en 1933, una vez que el artista encontrara una vivienda adecuada, pero los sucesos históricos tomaron la delantera.
Los nazis habían llegado al poder en Alemania durante el mismo año y Klee estaba en la lista negra del régimen que de ninguna manera aceptaba a un artista moderno con simpatías por la izquierda.
Apenas pocos días antes del traslado de su familia, Klee fue despedido de la Academia con efecto inmediato. El nuevo director era un ferviente seguidor del nacionalsocialismo.
En diciembre de 1933 la familia Klee abandonó la Alemania nazi donde ya no había más futuro para ellos y regresó a Suiza.


Fuente: Swissinfo, (Faryl Mirza)
(Traducción: Jaime Ortega)

lunes, 27 de julio de 2009

Irreductible

Ligne...


comenzaron en este caso... esos trazos... (pausa-play-turn-return)

...sobre la misma playa donde luego de un tiempo prolongado (dreams)

...volvi
eron a unirse...



&...


indeterminada...

a la espera de otras líneas...


"
Te acecho entre las hojas
anchas como lingotes
de mineral mojado.

Desnuda te sumerges.
Espero...
Bebo tu sangre, rompo

tus miembros uno a uno...

Y me quedo velando

por años en la selva
tus huesos, tu ceniza,
inmóvil, lejos...

...
cruzado por las lianas,
inmóvil en la lluvia,
centinela implacable
de mi amor asesino.



Fragmento: "El tigre" (Pablo Neruda)

sábado, 25 de julio de 2009

Cuerpos que dejan huella

Para los expresionistas abstráctos del Nueva York de posguerra, el lienzo era el receptáculo de la expresión fisica del artista. La atención se desvió paulatinamente de la pintura como objeto al propio acto de pintar: de ahí que este movimiento se conociera como "action painting". El proceso de creación de la pintura era tan importante como la obra final, y el método que el artista elegía para dejar sus huellas constituía el tema de la obra de arte. La presenciadel artista en la obra a través del acto de pintar llevó a considerar el cuerpo del artista como una herramienta de aplicación de la pintura, una especie de pincel que dejaba un rastro directo del cuerpo en la obra. En algunos trabajos, el propio cuerpo se convertía en el "lienzo" donde pintar. Como reacción ante esta manifesstación artística, que en origen estuvo dominada por los hombres y cuyo máximo representante fue Jackson Pollock, más adelante los artistas crearon una parodia crítica y feminista del machismo del artista masculino que arrojaba pintura sobre el cuerpo.



Marcel Duchamp

Serie: "Paysage fautif"
21 X 17 ctm
Fluido seminal
(1946)


Entre los años 1938 y 1948, Duchamp creó una serie de obras tituladas "Boîte en valise", cada una de las cuales contenía sesenta y nueve reproducciones en miniatura de una selección de sus obras anteriores, una dedicatoria escrita a mano para el destinatario y una obra de arte "original". Paysage fautif era el "original" incluido en la Boîte número XII/XX de la edición de lujo, dedicado a la artista brasileña María Martins, su amante en ese momento, cuyo cuerpo utilizó como modelo en Étant donnés (1946-1966) y Prière de toucher (1947). Paysage fautif era una misteriosa pintura abtracta de origen desconocido. En 1989, un análisis quimico reveló que estaba hecha con semen, lo que otorgaba a la obra un significado irónico al añadir parte del cuerpo, tanto como medio de expresión directa como reliquia de interés museístico.
El otro "original" de esta serie que contiene material corporal es la Boîte número XII/XX, donde se pegaron mechones de pelo (del cuero cabelludo, las axilas y el pubis) en un trozo de plexiglás.
Duchamp dedicó esta Boîte al artista Roberto Matta.

Bue de Pollock, Klein y otros ya se habló hasta en la NASA, asi que pasemos pa otro...



George Mathieu

"Home to general Hideyoshi"

(1957)
Osaka, Japón



Mathieu fué el primer arista occidental que representó la "action painting" a modo de performance ante el público y como motivo para una fotografia. El artista ejecutó su pintura monumental vestido con un atuendo tradicionla para reforzar la carga de la acción. El lo definía como la actividad de pintar, que esta debía liberarse y transformarce a través de la "velocida de ejecución" para que resultara espontánea, directa y quedara desvinculada del pasado. Su insistencia por la improvisación fue un intento de invertir el orden entre la relación entre el signo y el significado: "la obra de arte se convierte en un punto de interrogación geométrico. En lugar de reducir el cosmos a las dimensiones del hombre, la obra de arte no es más que una salida abierta al cosmos".


- George Mathieu, "Towards a New Convergence in Ar, Thought and science" 1960




Kazuo Shiraga
"Challenging Mud"
(1955)

Sala Ohara Kaikan, Tokio.

Para la performance Challenging Mud, que tuvo lugar en la primera exposición arte Gutai celebrada en la sala Ohara Kaikan de Tokio. Shiraga se sumergió en una piscina de espeso lodo para ejecutar un acto gestual primario. Debatiéndose como un luchador, creó lo que básicamente era una pintura bidimensional esculpida en el lodo, que moldeaba la huella o la impronta de la fuerza física del artista en relación con la materia. La documentación fotográfica resultó esencial para plasmar la actividad temporal. La transformación de la pintura que llevó a cabo Shiraga en un medio orientado a los procesos y de inspiración teatral, "interpretada" en el espacio temporal y preservada en forma de documento fotográfico, puede considerarse una personificación completa y polifacética de Gutai, el grupo de arte experimental que en 1954 fundó Jiro Yoshihara en Osaka. La naturaleza física violenta de estos impulsos pictóricos se expresa a través del énfasis en el movimientode su cuerpo como temay origen de su creatividad artística.





Shozo Shimamoto
"Making a painting by Throwing Bottles of painting"

(1956)
Sala Ohara Kaikan, Tokio.


La pintura se presentó en la segunda exposición de arte de Gutai celebrada en la sala Ohara Kaikan de Tokio de 1956. Shimamoto lanzó botes de pintura sobre unos lienzos desperdigados por el suelo, creando superficies vidriosas en las que los rojos, naranjas y negros evocaban el fuego y la destrucción. Estas pinturas proyectadas constituyen una representación directa de la acción deliberadamente violenta y teatral del artista. Poco antes, ese mismo año, durante una exposición de arte Gutai de un día celebrada expresamente para los fotógrafos de la revista Life, Shimamoto disparó pintura con un cañon sobre una serie de lienzos verticales, creando pinturas mediante el explosivo impacto de la pintura con la superficie pictórica. La incorporación de un proceso mecánico enfatizó la naturaleza aleatoria de la pintura. Fueron muy pocas las obras de este tipo que se conservaron debido a la violencia del proceso, que las destruia literalmente mientras se creaban. El aspecto interpretativo del proceso de creación constituía un elemento esencial de estas obras.



"El cuerpo del artista"

Ed: Tracey Warr
Estudio de Amelia Jones
Phaidón (2006)