Larry Rivers: Saxo tenor
Paul Brown: Bajo
David Levy: Saxophone
Tom Artin: Trombone
Myron Schwartzman: Piano
Earl Williams: Batería
Howard Brofsky: Trompeta
2- Marcel Duchamp "Air de Paris" (1:49)
Considerando: 1. *Soundpiece
"Como Saint-Pol-Roux, que solía colgar * la inscripción ' el poeta trabaja ' de su puerta mientras él durmió, Duchamp solía decir que él no hacía nada excepto respirar - y cuando él respiraba, él trabajaba. Sus obsesiones y sus mitos trabajaban con él: la inacción es * la condición de actividad interior".
- Octavio Paz, Marcel Duchamp: El Aspecto Se desnudó Desnudo
2. *Graphic " En general * el cuadro es * la aparición de un aspecto. "
- Marcel Duchamp, Caja Verde
3- Connie Beckley "To Faust: A Footnote" (7:10)
El riesgo y el sentimentalismo, dos aspectos al parecer contradictorios, pueden resultar para ser las nociones complementarias que mejor definen. El se licencia del trabajo de Buckley. "Todo lo que hago tiene algún elemento de riesgo", Beckley dice, y los ejemplos más obvios la llevan hacia fuera - por ejemplo, su construcción sin ayuda de un puente de suspensión entre dos 24 toca la bocina; altas torres en París del 1985 Viennale. El otro de sus trabajos (para el cual el término "el arte de funcionamiento" parece una descripción demasiado tibia) implicó el empleo de seis versiones diferentes de "Ebbtide" como el acompañamiento, cartas amorosas ficticias. Beckley dice que ella usó los registros de "Ebbtide" no irónicamente, pero "porque los amo".
"La gente me ha dicho que mis sonidos no deberían trabajar solo porque los hago tan directamente",dice ella. Reconociendo que el estilo del EN debe hacer cosas irónicas, ella añade: "destripo, soy paciente con la necesidad de no arriesgar de hacerlo directamente. No me gusta ninguna arte que no le hace poner sus sentimientos sobre la línea. Soy devastado cuando no trabaja, pero yo preferiría tenerlo así".
Los audios de Beckley han incluido "el Dedo del pie en punta", en el cual ella compartió un par de altos zapatos heeled con un par de altavoces estéreos; "el enfrentamiento", "que probablemente vino de tener pesadillas sobre ser estrangulado por cuerdas de extensión", y los otros que hacen girar del mismo modo alrededor ¡ajá! la relación al sonido musical. Su trabajo sobre este registro es un ofrecimiento de parte de un texto científico de Isaac Newton, acompañado por su dibujo de Newton con la parte del texto.
"Yo era sumamente feliz sobre el hecho que Newton era un alquimista, que quiso decir que él tenía otra vida que lo que al mundo científico le gustaría a nosotros hacernos creer, y que la vida le permitió para hacerse un gran científico. Su entusiasmo, el modo que él escribió sobre cosas, apeló a la música" - una actitud cual Connie contrasta a sus sentimientos sobre la escritura más corriente sobre el arte. Y ella indica que Newton cometió más escrituras alchemical para empapelar que él hizo textos puramente científicos.
4. Cotten/Prince "Tiny Places" (2:11)
Detrás antes de que esto fuera la cadera para hacer una audición para cintas de rollo 'de n' de roca por gastando unos años en la escuela de bellas artes, hacer sintetizadores y grabar en vídeo una parte incorporada del acto, o a la parodia los clichés más estúpidos del negocio de música pop de la etapa de centro - en breve antes había las Cabezas Habladoras, un Duran Duran, o una llave espinal - había una cinta llamada los Tubos.
Los Tubos (como en el rayo de cátodo) eran las salidas de escuela de bellas artes de San Francisco que lo jugaron simpático y repugnante a la vez cuando que era la venta en la roca era mudo "y sensible". Y aunque su etapa muestra mejor a menudo eran realizados que sus registros, ellos realmente produjeron las gomas eternas de roca de chatarra como "Mondo la esclavitud", "No me tocan allí", y el clásico "Punks Blancos sobre la droga".
Michael Cotten (sintetizadores) y el Príncipe de la Pradera (tambores) estaba dos de las fuerzas seminales detrás de los Tubos "demasiado lejos delante de su tiempo" para su propia mezcla buena de arte, roca, vídeo, funcionamiento, y el oropel de mundo del espectáculo. Los dos encontrados en la escuela primaria en Fénix, Arizona, y según Cotten, "hemos sido amigos y compañeros después" - en las palabras del Príncipe, " prácticamente hermanos. " Juntos, ellos afrontaron las lengüetas volantes de desaprobación en el Instituto De arte de San Francisco que, en aquel punto a finales de los años 60, dice Cotten, era más cercano al espíritu de los barrios este de Nueva York Inferiores hoy: "La pintura de dedo entera, la cosa de arte de angustia mórbida era muy grande. Por consiguiente, no les gustó nuestro estilo, que era más gráfico, más con fuerza afilado. más realista. Pienso..., nosotros estábamos en la cepilladura de aire..."
Pero por lo que Gotten está preocupado, "no hay nada chulo sobre estar delante de su tiempo. Su idea de retro es ya un año en el futuro" y tan, no necesariamente comercial. " Intento a la parodia yo mismo ahora", añade él, aunque si no sea bastante claro si esta declaración es totalmente seria, tampoco
"Sitios diminutos", dice el Príncipe de la Pradera, reflexionan "el confinamiento que usted siente en Japón, los pequeños espacios que usted tiene que residir en - cuartos de hotel, coches, cualquier cosa. Tratamos de usar sonidos tradicionales, como la flauta japonesa, en la combinación con sonidos de tráfico y sonidos sintéticos".
5. Mineko Grimmer "Tower With Garden" (2:55)
Mineko Grimmer, cuyos trabajos tienen tanto para hacer con la música sana y aleatoria como ellos hacen con la escultura, lo remonta toda la espalda a su casa en Japón del norte. Nacido en Hanamaki y culto en Japón y en el Instituto Otis De arte en Los Angeles, Mineko hace las esculturas de madera y metal, encima el cual ella suspende las pirámides invertidas de guijarros blancos o negros congelados en el hielo. Como el hielo se derrite en el curso de cada exposición diaria, la caída de guijarros con la rapidez creciente que golpea los elementos de bambú, abeto o pino, bronce o el cable de piano, y el fondo del agua, de la cual la escultura es compuesta, creando una serie arbitraria de los sonidos que son la parte del trabajo. En su casa en Honshu del norte, que ella dejó hace ocho años, Mineko dice que ella fue capaz de mirar " los carámbanos se derriten y la nueva helada todo el invierno mucho tiempo, " inspirando su serie corriente de pedazos musicales. Los materiales básicos y la estructura, así como el tranquilo si sonidos imprevisibles ellos generan, son, ella dice, " muy el japonés, " recordando la música de instrumentos japoneses, de cuerda y percusión. Ella encuentra una semejanza en la resonancia de guijarros que golpean las barras de bambú de grosor que varía a palabras siendo cantadas, y el toque ocasional de piedra sobre el bronce "a una clase de puntuación" que interrumpe los efectos hipnóticos del sonido de guijarros que se caen en el fondo del agua él la grabación presentada aquí fue hecha de un pedazo titulado "la torre con el Jardín", consistiendo en la barra de cobre y el agua, y representa un segmento continuo de tres minutos que ocurrió cerca del principio del proceso. Normalmente Mineko se abstiene de titling sus trabajos, sintiendo que cada uno tiene " muchos significados diferentes, diferentes del espectador al espectador Lo que los artistas dicen " ella añade, " limita lo que los espectadores demandan. Abastezco de combustible esto cuando expongo un trabajo al público, lo dejo. Esto más me pertenece acompaña la fotografía de un tronco de árbol superado por un guijarro solo expone dos elementos claves estructurales de su trabajo.
Pero Mineko acentúa la escala humana más bien que la construcción mecánica de sus esculturas sanas. "Incluso aunque mis trabajos no sean figurados o de referencia", dice ella, "ellos son humanistas. Los monumentos a las víctimas de la bomba atómica y el Holocausto son poderosos, aplastantes. Que espero la gente encuentre tantos significados profundos con mis trabajos, aunque ellos sean más apacibles".
6. Philemona Williamson "One Day In May" (1:34)
Philemona Williamson se refiere a su serie reciente de retratos figurados, carácteres imaginarios a menudo puestos en lugares exóticos, como "la Calle Eccentrics". Ellos no encajan la información ninguna categoría conveniente pero esto no la sorprende en particular En los años 60, ella tuvo problemas en la escuela de bellas artes porque su trabajo no fue considerado bastante de vanguardia (en primer lugar, no era abstracto). Para su espectáculo mayor, ella pintó a un grupo de Vírgenes desnudas y la Anunciación ("ellos eran todo negros, y ellos todos tenían mi cara", en gran parte porque, entonces, le gustaron Anunciaciones.
Williamson siente que "el arte debería ser tan accesible como yendo al supermercado", y ella proporciona las narrativas escritas que describen los mundos de su "eccentrics" - "la mujer de sombrero", "la Señora planta", "la señora de globo" etcétera, etcétera - en sus propias palabras. "No tengo en mente a la gente específica cuando pinto; ellas son caras solamente construidas. Más tarde mis amigos indicarán semejanzas para poblar sé y luego comprenderé que el abastecimiento de combustible que yo trataba de conseguir viene de ellos".
Otra explicación puede ser que ellos son los ecos de la niñez de Philemona. Sus padres trabajaron para una familia rica griega en la Casa elegante del río de los barrios este de Nueva York. "Bastante no conseguí la imagen que mis padres fueron empleados allí, justo pensé que viví allí. Yo tenía una idea muy extraña de quien yo era - por ejemplo, en la escuela yo era la única persona negra allí. Y al principio solía preguntarme por qué, en casa, yo a veces entraría en una puerta, y a veces el otro cuando yo me marchaba solo yo podría salir cualquier puerta, pero cuando yo venía con mis padres tuve que entrar por la puerta de atrás".
Para su grabación, Williamson quiso crear a un colega auditivo del sentido de lugar que existe en sus pinturas. "Quiero que usted parezca usted es en este lugar, este abastecimiento de combustible lozano, caliente, caribeño, y luego el examinar que es esto la narrativa con fuerza afilada de la calle excéntrica, quien no cabe en este ambiente, pero se mueve por ello". Williamson explica la yuxtaposición insólita pero diciendo simplemente que "pienso que les gustaría aquel lugar - donde no hay bordes difíciles y ellos no constantemente tienen que ser asaltados”.
7. Jeff Gordon "Everyone's An Artist" (4:47)
Jeff Gordon comenzó su carrera de arte a principios de los años 60, dibujando los tardíos retratos de lápiz cuadrados de Lincoln y Washington para su escuela secundaria inferior en el Bronx. Incluso entonces, él apuntaba a un mí en el arte, "o algo relacionado con ello-yo solamente no quiero hacer el verdadero trabajo... " Cuando Gordon descubrió que el arte conceptual era más fácil para ejecutar que el dibujo real, su carrera tomó una vuelta en lo conceptual. Posteriormente, mientras todavía es la música y el instituto de arte, él fue dibujado al negocio de la música y trabajado como un compositor de canciones de contrato para la CBS Music.
La producción de registro vino la jerarquía, y luego un día Jeff hizo él mismo la pregunta profética, "Por qué pueden los pintores y escultores no hacer registros? " Gordon se acercó a dos galerías del Soho y les hizo la misma pregunta. Una de las galerías decidió estar implicada y tenía su lista entera de 21 artistas contratan para hacer un registro
El resultado, revoluciones por minuto (el Registro de arte), el precursor a este álbum, era un… dos… juego de registro que ha examinado varios apretamientos hasta el momento, y también fue vendido es las ediciones embaladas de lujo que contienen copias firmadas y numeradas de cada artista. Las “REVOLUCIONES POR MINUTO” que viajan a exhibiciones, diseñado por Gordon y su esposa Juanita, viajaron por EU y Europa para durante años de viaje, incluyendo el Museo Tate en Londres.
Cuando esto era la vuelta de Gordon para registrar, él naturalmente decidió algo accesible. "Quise hacer algo que cada uno podría escuchar a y bailar a - electrónico, de oeste encuentra el este, el arte encuentra el anti-arte".
Gordon dice que él no podía hacer ningún de esto sin Juanita. Ella creó el diseño gráfico y el embalaje para las “REVOLUCIONES POR MINUTO” y este álbum, y también tenía una mano igual en la selección de artistas para el proyecto. "Ella es realmente vital a mí porque ella es muy obstinada. Básicamente hago muy pocos movimientos sin ver lo que ella piensa. ¿Por ejemplo, traje a casa una temprana versión de ' De todo el mundo un Artista ' y ella dijo, ' Usted se ha convertido en a un bragazas - dónde está toda la materia extraña? ' Confío en esto mucho".
Vocal: Jeff Gordon & Mug Maruyama
Programa: Graham Hawthorne
Emuladores/Teclados: Jeff Gordon
Co-Producción: Bill Heller & Bob Held
8. Tony McAulay "Collaborative Poem" (5:56)
Tony McAulay es un artista inglés multimedia que emigró a América (Seattle, para ser exacto) en 1970 y ahora reside en Canadá, donde él divide su tiempo entre el video-arte, pedazos sanos, la pintura de fotografía, y un programa de radio en vivo llamado "Turbulence”. Sobre aquel espectáculo él entrevista a artistas - en particular los artistas que trabajan con el sonido - y juega sus grabaciones con el mismo. "He estado interesado desde hace algún tiempo en la conexión entre el arte visual y el sonido", dice McAulay en su base-casa de Londres, Ontario. "Me gusta que Joseph Beuys una vez dijo, que lejos él, ' una tos es la escultura. ' Y yo a menudo pensaba que la radio es mucho más visual, en un camino que la televisión".
El programa “The Turbulence” ha conducido a instalaciones en varias galerías canadienses de los pedazos sanos que han aireado, han acompañado por murales fotográficos que tratan lo que él llama "la superabundancia de entonación". Uno de aquellos murales incluyó un acto de los equipos famosos y obscuros de colaboración que McAulay más tarde puesto al día y se amplió para su grabación sobre este álbum.
Además, McAulay corrigió una revista llamada TKO, una publicación de cual fue dedicada exclusivamente a su interés es el arte de colaboración. Un anuncio para la revista, destacando un detalle del mural de foto de la lista de equipos de colaboración, hace encima del gráfico que acompaña su pedazo sano aquí. En el tacto, TKO sí mismo era una colaboración entre McAulay y el editor de compañía Sam Krizan, y superó un programa de radio en vivo de dos horas que ellos una vez hicieron sobre la Turbulencia.
"Es justo algo que estuve interesado es entonces, la idea de la gente en sociedades", dice McAulay. "Hay muchos grupos que han trabajado juntos, pero solamente quise enfocar, concentrar así pares. He estado interesado es cosas como Gilberto y la situación de Jorge", no mandando al equipo famoso de artistas de funcionamiento, " como el trabajo puede desarrollarse así, a veces saliendo en los conflictos o las complicaciones de colaboración - que aún que puede ser un tipo positivo de la entrada " A lo largo de los veranos de viaje pasados, McAulay ha producido las versiones de vídeo del programa de Turbulencia, y recientemente comenzó el trabajo sobre un grupo de pinturas, su primero en seis años.
"He salido bien atrás a como comencé, en un camino", dice él en la referencia a su educación como un pintor en Inglaterra en los años 1960. "Pero las nuevas pinturas son sobre medios de comunicación y la información de encubrimiento, en particular por la televisión - entonces es unido todo juntos al final."
9. Jonathan Borofsky "Take your dreams" (3:12)
Jonatán Borofsky dice considera el alquitrán una carrera en la cual él ha extendido sus capacidades entre la pintura, la escultura, la música, el vídeo, e instalaciones crecientes, aún ha conservado desde 1969 el procedimiento simple, obsesivo "del conteo al infinito".
Borofsky todavía quiere una revisión de su primera exposición en Nueva York; dijo esto se parecía a un espectáculo de arte de instituto, implicando que esto era el trabajo de 10 o 15 personas diferentes. "Era la parte que me gustó", dice él, "Era que yo trataba de llegar aún a principios de los años 70, que había muchos caminos diferentes para hacer el arte, muchos modos diferentes de vivir su vida. Y yo exploraba tanto cómo yo podría.” "Como" el proyecto de la prisión, una serie de entrevistas grabadas en vídeo con los internos de prisión de California que Borofsky espera airear de la televisión pública.
O el logo se mancha él diseñó para MTV. O sus canciones, una de cual ocurre sobre este registro. Los sonidos de fondo fueron creados "tomando un micrófono, mis dedos, girando la subida de volumen y golpeando el microfono para crear sonidos estáticos". Como para las salas, con sus alusiones parecidas a un blues, ellos "no salieron en ninguna parte".
La idea de grabación una canción o sonido no salió en en ninguna parte, aunque de hecho, todas las clases de sonidos han sido endémicas al arte "visual" de Borofsky durante el mismo tiempo ahora - de los sonidos en motores a las pinturas cantantes (con magnetófonos secretados detrás de ellos) a las figuras a menudo ve que la acción de dirigirse a las pinturas es sus instalaciones.
Pero si usted pregunta a Borofsky si él probablemente se hace uno de aquellos artistas actualmente que se mencionan como "las estrellas de rock de los años 80" él da algo bastante simple - la respuesta. "No tengo ningún impulso de subir la etapa", dice él. "Soy un poco demasiado tímido. Creo etapas para otra gente para andar en - esto es lo que en mis muestra son - y ellos están sobre la etapa. Esto es que sus sensibilidades, y es por eso que sus muestras son un éxito. Ellos realizan algo que continúa aquí y estoy en medio de ello".
"Desde luego", él añade con el aplomo de alguien que realiza, que no hay solamente un modo de hacer el arte, "digo que no funcionaré ahora, pero en dos años, quien sabe?
Producido por: Ed Tomney
10. Les Levine "Hereditary Language" (2:54)
"Usted probablemente va a lo alto de su silla y piensa que esto es una posición ridícula", dicen las Les Levine de su voz más ocasional, "pero realmente pienso que soy la parte de la historia de la literatura Irlandesa y muchísimo siento que mis antepasados son James Joyce y Brendan Behan y aquella clases de personas". La declaración no es tan traída por alquitrán como si podría parecer. Levine - quien, después de todo, fue nacido en Dublín en 1935 - de madre irlandesa, católica y padre judío - quien trabajó como conocen a una ebanista - preeminentemente como un artista visual.
Pero sus carteleras, fotografías, carteles, pinturas y vídeos siempre implicaban en cierta medida lo que él llama "una investigación de lengua" evidente al observador ocasional en la presencia de palabras impresas en aquellos trabajos. La conexión de palabras e imágenes visuales a veces da a sus creaciones la mirada de publicidad - de verdad, su cartel de metro que imagina una pareja Oriental con la lectura NO TENEMOS MIEDO pudiera haber sido un bromista para una película próxima que nunca, de hecho, existió.
Después de 1969, Levine comenzó a llamarse "un escultor de medios de comunicación", quizás el primer artista para usar aquella terminología para implicar que los medios de comunicación, en ellos mismos se habían hecho un medio que podría ser trabajado con el metal parecido o la madera. "Mi trabajo es principalmente sobre medios de comunicación", dice él ahora, "que yo veo como una extensión del cuerpo, una granja de biología extraterrestre". El reconocer estos "medios de comunicación es un verdadero generador de enfermedades principales", él ha usado los mismos instrumentos en medios de comunicación para presentar modos de pensar alternativos sobre la información. “Soy una de aquella gente", dice Levine, "quien es bastante ingenuo para creer que el mundo en realidad ha sido cambiado por el arte”.
Con su trabajo para este registro, él "muestra como los niños responden a ciertas clases de información. El corte es sobre el estado, su mente es en cuanto usted es un niño y como esto es afectado por la clase de mente adulta, esto está alrededor de usted". La pista concierne el modo que la lengua es transmitida al jóven y funciona como un modelo en sus vidas, "el modo en que los niños se hacen receptáculos de la información lejana, y las clases de expectativas, ello crea los niveles de decepción que esto genera.
11. Burton Van Deusen "Untitled" (1:50)
"La cosa ocurre, es el taxi de mi furgoneta", dice Barton Van Deusen sobre el audio que él ha registrado para este álbum. "Algunas personas cantan en la ducha. Me encontré siendo capaz de dar un toque, pocos ritmos hacia fuera en el volante y el asiento - esto parecía que era mi instrumento". Con esto y la armónica él juega en un estilo blues y que él remonta atrás al gusta de Corky Siegel, Charley Musselwhite, John Hammond, junior, Stephen Lukes, y de puede" Sonny Terry.
Van Deusen, cuyas pinturas y dibujos afirman que los pocos años pasados han enfocado a tormentas como en su posición ventajosa sobre el sur una de Isla Larga, donde encuentra varios paralelos entre su trabajo y su juego de armónica. "Me gusta la actitud improvisatoria de aquellas tormentas", él dice: "Ellos me alegran. Esto se parece al juego del arpa, la salida sobre alguna tangente, y el funcionamiento usted mismo de ello. La misma cosa con una tormenta - solamente se pon, es el problema blanco, usted dibuja, y luego de repente usted comienza a resolverlo. Esto es bastante exitante”.
Pero Van Deusen reconoce que los otros no siempre comparten su entusiasmo. "Las tormentas son el bien y mal", él dice: "la venida.. y el yendo. No encuentro las amenazas pero hacer encaje de gente, y adivino que esto es la razón por que mis pinturas no son tan acertadas en términos de vender de tormentas a la gente. La última vez yo tenía un espectáculo, era el día siguiente del huracán el golpe de Gloria".
Después crecer, viajando por el país con sus padres, que trabajaron como un vodevil el equipo sabido como la Furgoneta y Arrvola, Van Deusen se instaló en Florida. Una vez del instituto, él trabajó sobre proyectos comerciales, construyendo juegos para el espectáculo de Jackie Gleason, y flotadores para el Orange Bowl Parade, entre otras cosas.
Esto fue seguido por una permanencia en Filadelfia en la Escuela de bellas artes y una serie de exposiciones institucionales, aunque él aún no haya tenido una exposición de galería. Pero él hizo la decisión de trasladar a Amagansett, porque él "realmente tuvo que regresar al agua. Cada día aquí fuera usted puede tomar un paseo sobre la playa, y dos días no son parecidos. Cuando la estación tempestuosa viene consigo mi poste de pesca y me echo en el oleaje, y puedo estar de pie allí durante horas mirando el tiempo. Estos dibujos vienen de aquellas veces. Esto podría estar en el cuadro de cincuenta tormentas todos juntos".
12. Tom Wesselmann "Pictures On The Wall Of Your Heart" (3:11)
El texto que acompaña el bien - sabe que el libro de mesa del centro sobre Tom Wesselmasn lleva la data de Slim Stealingworth. En círculos de arte es generalmente sabido que Wesselmasn escribió la prueba él mismo. ("Así calculé que yo podría acertar en ello", él dice: " Y, de los gruesos, yo siempre podría negarlo más tarde".) Que no es el conocimiento común es como él golpeó sobre el seudónimo. "Una noche un vagabundo me pasó sobre el Bowery". dice que Wesselmaan con que la voz cansina de Cincinnati característica sardónica", y él masculló, ' Slim Stealingworth? ' Al menos esto es lo que sonó. Y solamente pensé, Sí, esto soy yo, Stealingworth".
La idea de Tom Wesslemans de trabajo difícil, pinta es su estudio Bowery mientras él escucha a Robert y Ray, que él ha dado un toque de la radio durante los años. Stil, esto hace el sentido. Su carrera de arte comenzó en el ejército cuando él dibujó historietas inspiradas por los grandes dibujantes neoyorquinos del día. "Si era un gran descubrimiento que usted podría ser capaz de ganarse la vida ser gracioso”. Y esto era el humor que atrajo a Tom a la música country. "El secreto de música country", él dice: "consiste en que mientras esto tiene humor - algunos de aquellos títulos están de modo extravagante, ingeniosos - en algún tiempo ellos lo juegan con la seriedad absoluta, entonces el humor siempre es minimizado".
Cuando Tom hacía la corte sobre su esposa, entre 1959 y 1961, en cambio en la escritura de poemas de amor hacia ella, él escribió canciones de país, de las que esta pista es como el ejemplo. Estos días, él confiesa, "soy un escritor de título fabuloso, pero no escribo canciones enteras más". Aún después de gastos de horas en el estudio que afila éste a la perfección, Wesselmann podría ser oído para decir, "Ahora esto va a ser anti-climactic cuando esto está terminado. Tengo gotten para tener ganas de bajar aquí cada día. De hecho, tengo otra canción la que he comenzado a escribir - éste va a ser el golpe, un lado".
Vocal: Barbara Beeman
Música: Buzz Gauss & Crew (Creative Workshop Studio, Nashville)
Armónica: Tom Wesselmann
13. Marcy Brafman "I Can't Get Started/Communfx" (4:40)
"En mi mente cuando yo era un niño en Brooklyn", dice Marcy Brafman: ' el Riviera era esto el lugar increíblemente hermoso con pasos que bajan el océano, y la languidez de flamencos exótico y la conversación con pavos reales. "Esto puede ser porque el padre de Brafman se ganó la vida pintando murales imaginarios en casas de la gente antes del advenimiento ot wallpaper. Ahora aquellos flamencos se resaltan, con otro "exótico" pájaros, en pinturas Brafman no describe como "ni puramente el extracto, ni puramente figurado".
Un artista relativamente jóven, Brafman todavía describe la experiencia en el teniendo en el que alguien "anda de la calle" y compra sus pinturas en una galería como "una emoción verdadera". Anteriormente el director en la promoción para MTV - un trabajo que salió en su fondo como técnico de ayudantes y el redactor y se aprovechó de su interés en símbolos y logos como formas principales en la comunicación, ella actualmente pasa más tiempo que con una pintura.
La grabación de Brafman aquí "es sobre las comunicaciones privadas y la radio de circuito cerrada, y se canta y se llama del primitivo al moderno". Esto incluye todo de la llamada del muezzin al rezo a mediado del Este a dos caminos radios es en taxi sobre los barrios del este de Nueva York. “En mi línea de negocios, gasté mucho en el tiempo en taxis de radio, y comencé a hacerme realmente interesado en estas conversaciones privadas que continúan entre los conductores y el distribuidor".
Incluso el empleo en la canción "Escoro Son Comenzados" que provino en una era cuando uno podría oír las emisiones de radio de línea emitidas a través del país - caben en el lugar. "La lírica se refiere a viajes", recuerda Marcy:, "y mucho de las partes es son sobre el transporte".
Vocal: Marcy Brafman
Bajo y teclado: Tom T-Bone Wolk
Batería: Warren Odze
Consultor de Cántico Coránico: David Brahman, Ph.D
(I. Gershwin, V. Duke / Chappell Co., Inc.)
14. Philip Johnson "Interview" (2:42)
Firm: John Burgee Architects with Philip Johnson Born: Cleveland, Ohio 8 de julio, 1906 Educación: Harvard University A.B; 1930; Harvard University B. Arch. 1943; Harvard University Graduado en la escuela de diseño: Director, Departmento de Arquitectura, Museum at Modern Art, NYC, 1930-36, 1946-54 Trabajos principales: New York State Theater, Lincoln Center, New York City; Glass House, New Canaan, Connecticut; Amon Carter Museum of Western Art, Fort Worth, Texas; East & Garden Wings, Museum of Modern Art, AT&T Building, New York City; Fifty Third at Third, New York City; 101 California Street, San Francisco, California; United Band Center Denver, Colorado; Pennzoil Place, Houston, Texas; The Art Museum of South Texas, Corpus Christi, Texas; MS Center, Minneapolis, Minnesota; Niagara Fails Centro de convención, Niagara Falls, New York; National Center for Performing Arts, Bombay, India; Fort Hill Square, Boston, Massachusetts; PPG Building, Pittsburgh, Pennsylvania; Kline Science Tower, Yale University, New Haven, Connecticut.
15. John Burgee "Interview" (2:40)
Firm: Arquitecto John Burgee con Philip Johnson Born: Chicago, Illinois August 28, 1933 Educaciónn: University of Notre Dame, B. Arch. 1956 Positions Held: Partner, C.F Murphy Associates, Chicago, III. 1958-67; Partner, Johnson/Burgee Architects, NYC, 196782; Partner, Arquitecto John Burgee con Philip Johnson, NYC 198386 Principal Works: AT&T Building, New York City; Travsco Tower, Houston, Tunas; United Bank Center, Denver, Colorado; Centro del Banco Republicano, Houston, Texas; 580 California Street, San Francisco, California; Atlantic Center, Atlanta, Georgia; Momentum Place, Dallas, Texas; Niagara Falls Centro de Convención, Niagara Falls, New York; New York State University Art Museum, Purchase, New York; Burden Hall, Harvard University; Garden Grove Community Church, Garden Grove, California; National Center for Performing Art, Bombay, India; Fifty Third at Third, New York 500 Boylston Street, Boston, Massachusetts; 190 South LaSalle Street, Chicago, Illinois; Tycon Towers, Tyson's Corner, Virgina.
16. Italo Scanga "Untitled Piece" (3:31)
"Soy el tipo de una tardía metedura de pata, sabe usted?" Italo Scanga dice con total naturalidad. Por el tacto, su primer espectáculo principal, en el Museo Whitney en Nueva York, vino cuando él tenía 40 años, "Richard Wagner no compuso ninguna música principal hasta que él tuviera 45 años o 46, tan..."
Scanga, quien no vino a este país hasta que él tuviera 16 años, remontan su educación en la escultura atrás a "falegname" local o woodworker con quien él aprendiera en su ciudad natal de Lago, Calabria, en Italia del sur. "Si se pareció a un jardín de infancia, excepto usted tuvo que barrer el piso, conseguir el agua, girar el torno para él", dice Scanga.
Después de la conexión de su padre - uno de muchos inmigrantes que ayudaron a construir el Ferrocarril B*D - a Rockwood, Pensilvania, Scup emprendió un curso en la la escuela de bellas artes y una carrera en la enseñanza y esculpiendo por vía de la cadena de montaje GM en Detroit y EU el ejército. Pero si lo conocían al principio como un profesor maestro, era uno de muchos estudiantes acertados que tarde o temprano llamaron la atención a su trabajo y condujeron a su éxito reciente, en particular tras su serie "de Miedo". Esculpido en la madera pintada, como la mayor parte de su trabajo, aquellos pedazos dirigieron la preocupación antigua y contemporánea, del miedo, el fuego, y truenos al miedo de comprar una casa y el miedo de éxito. Su popularidad ayudó a vencer una resistencia más temprana al trabajo representativo de Scanga que pasó de moda a partir de los años 60 y a principios de los años 70, cuando, él dice: "usted no podía ser un artista figurado, usted tuvo que ser abstracto - se pareció a la pertinencia a una unión. " Incluso ahora, aunque él insiste, "no soy una estrella grande. Soy todavía el tipo de una figura subterránea, pero en una sensatez".
Con respecto a los sonidos de animal oídos en sus audios, Scanga dice: "no soy un monstruo de animal; siempre los uso como una metáfora de nosotros. Cuando usted los ve en mis esculturas ellos son por lo general al revés, ellos tienen una espina en sus pies, ellos son el tipo de criaturas desvalidas. Es sobre la vulnerabilidad. Yo siempre usaba animales visualmente, pero nunca el modo que ellos suenan. Por ejemplo, me gustaría oír la voz en Picasso, me gustaría oír el modo que Leonardo da Vinchi sonaría". El poema que es intercalado entre los animales "tiene que ver con la toma de decisiones", dice él: "porque mi trabajo está siempre lleno de contradicción. Aquí quise combinar la vulnerabilidad en los animales con la toma de decisiones sobre nuestro destino".
17. Thomas Lanigan-Schmidt "Rite Of Passage" (5:54)
"Los niños instintivamente saben cuando ellos ven el brillo que ellos quieren usarlo sobre su cubierta de informe, de libro hasta que la gente comience a talarlos que esto es hortero, que ellos deberían comenzar a usar plantillas con la tinta beige, o algo". Tom Lanigan-Schmidt explica su opción de materiales en su arte, la hoja de metal de la florista, coloreó el plástico, el abrigo de Saran y sí, el brillo que él dice refleja la luz, "de la unión de tira y la Isla Coney y la discoteca". A Schmidt su todo en un pedazo, tal como su obsesión con el arte religiosa y artefactos en la Iglesia católica es trenzada en su arte como un hilo de oro la casulla de un sacerdote. Pero la naturaleza de utilitarista misma y bajo echado en los materiales él usa el homenaje de pagos a la vecindad él rechaza olvidar. Esto es el que en el Tilo, Nueva Jersey, donde él creció y aprendió " a sobrevivir por dibujando cuadros para estos niños resistentes cuya idea de ser a un hombre era capaz de conseguir a una muchacha embarazada cuando ustedes tenían 16 años. 'Gavons', ellos, solía llamar aquellos niños en la vieja vecindad. "Esto es lo que los campesinos italianos llamaron a otros campesinos, que ellos pensaron que eran demasiado ordinario para hablar de", él explica en la cabina de control mientras se producía la grabación de la pista.
En su grabación, Schmidt ha combinado los elementos en su niñez, ritos de paso, arte, la santa madre iglesia sexual, santa y la cultura de papilla de los modos que quizás pueden ser explicados, pero son mucho más diversión para escuchar a.
"Quise hacer la historia en un ritual, contener el acontecimiento", él dice en el acompañamiento gráfico. El registro de sí mismo multi-rastrea un poema en prosa exquisito en ritmos clásicos, altos conjuros de masas con una campana de la escuela, campanas de mamá genuinas, registros de efectos sonoros, y la música de fondo.
"Me gusta hacer esto", dice Schmidt regocijadamente como él trabaja la mezcla, explicando que allí realmente no es ningún equivalente inglés para el latino "la suma del ego", la importancia "de Arriverderci Roma" en el contenido de ningún paternalismo, y el modo apropiado de sonar las campanas sanctus. Oyentes católicos reconocerán ecos y los fragmentos de la liturgia, dando a este pedazo la clase de mezcla de campesino, la pequeña explosión y la iglesia que informa el arte visual de Schmidt. Como él dice, "Esto es un ritual sobre un registro".
Vocal: Thomas Langian-Schmidt, Murk Helsgott, & Joan Schmidt
Sanctus Campanas: Peter Occhiogrosso
18. Bob Gruen "When You're Smiling" (3:08)
Muchos fotógrafos hablan como si ellos habían crecido en un cuarto oscuro; Bob Gruen en realidad hizo. "La Fotografía era la afición de mi madre, y ella solía desarrollar su propia película", dice Gruen. "Yo era demasiado jóven para marcharme solo en la casa en aquel tiempo, entonces ella me puso en la esquina del cuarto oscuro, y en el oscuro ella explicaría lo que ella hacía, mantenerme divertida"."En sentido divertido, él mismo después, Gruen comenzó como" el fotógrafo de familia, y ahora, él está solamente,; el fotógrafo lejos de todas las familias diferentes.
"Otro día vi yo mismos cuadros, tomé el camino atrás de la barra de mi primo Mitzvah, y ellos son la misma clase de tiros, los que hago de grupos de estante", él dice: Esto es el secreto de las fotografías al parecer ocasionales de Green - ellos fueron tomados por accidente. Él pegó un tiro a algunas fotos más características, los clásicos de New York, Elton John, Tina Turner, y John Lennon. Él los llegó a conocer, él dice: "colgando, viviendo con la gente un ratito. Yo podría pasar el día entero con ellos y sólo pegar un tiro a un rollo en la película. La mayor parte de fotógrafos hacen una sesión de foto y disparan diez o doce y llega unas dos horas".
El estreno de Gruen en el mundo de la música vino en New York en la Feria del Mundo en 1964 cuando su obligación la Liga de Justicia jugada en el pabellón de los Estados Unidos, " y yo era el único quien sabía todas las palabras a 'Like A Rolling Stone' - una hazaña considerable hasta por normas de hoy. Su reclamación principal de la fama musical desde entonces parecía la llamada de clarín (los restos de sus días de Boy scout) para los conciertos del Choque en la obligación un Broadway en 1980. Cuando esto vino el tiempo para seleccionar una canción para este álbum, Bob dice, "yo sabía que cada uno iba a reírse cuando ellos me oyeron el canto, entonces decidí hacer un cantó lo que, como se suponía, les hacía la risa".
Mi imagen favorita de Gruen es de él inclinándose, la conversación, el botón trasero y repitiendo a los músicos registrar la pista básica para su cantó del otro lado del cristal de estudio, las salas famosas perdidas de savant indio Meher Baba, "¡Eh! los tipos - no se preocupan, son felices".
Bob & Christopher Gruen: Lead Vocals
Wrecia Ford: Background Vocal
Joe Delia: Piano
Brain Koonin: Guitarra
Tony Garnier: Bajo
Tony Machine: Batería
James Coleman: Tap Dancing
19. Yura Adams "Dream of paradise" (4:37)
"Ahora no preste la atención a la audiencia", Yura Adams cuenta sus ejecutantes de colegas sobre la videocinta que miraban. "Solamente fingido, ellos no están allí". El asesoramiento sano, pero Yura se dirige a tres robots – gigantesco, clasificado juguetes ella compró en la Choza de radio y luego cambió para encajar las necesidades a otro funcionamiento. Los temas de Yura delinean la situación grave y menudo cómica de una sociedad imaginaria que técnicamente es " avanzada, pero socialmente hacia atrás. " Los pedazos de funcionamiento tienen títulos como "Amas de casa en el Espacio", "Femme Futura", sobre la hora, "y miran alrededor tan futurista como los episodios añejos de la televisión" [el Capitán el Vídeo].
"No soy realmente mecánico", explica Adams: "Básicamente encuentro motores y los artefactos que ya son hechos y los pronuncian". Estantes, lazo eléctricos, mezcladores funcionando mal, animales de juguete mecánicos y robots llamaron Zozo y Xenia es toda la parte del mundo de Yura de sci-fi hogareño, donde en las palabras de una otras canciones, "los Satélites zumban en la sala de estar..." Le gustan las más pequeñas maravillas mecánicas porque: "puede usted para ellos en una maleta cuando usted viaja a un espectáculo". Su evaluación otro sonido grabado va como esto: "nunca estudié la música o la composición. Solamente escribo canciones". Y ella ha estado trabajando extensivamente con el sintetizador Fairlight. "El sueño de paraíso" es tomado de su habitación "el Paraíso de la maravilla". Su foto de un juguete de los años 60 (sabido como les mece les pegan los Robots) contra un horizonte de San Francisco ilustran una técnica llama " la mecánica figural. "Ello, una especie" de la fotografía inencontrada " que se centra en las fotografías de estructuración de objetos a diferencia del trabajo sincero en, digamos, Cartier-Bresson.
Pero cada vez más Adams investiga el potencial de vídeo para dar un toque en su funcionamiento y distribuirlos como una alternativa al turismo continuo y viva muestra. "Es como teniendo un alma visible después de que usted muere", ella dice con una risa infecciosa: "usted solamente sigue enviando a ello alrededor".
Vocal: Yura Adams with Elsie McKercher
(El audio fue producido en parte por Harvestworks Inc.)
20. Jennifer Bartlett "Excerpt from 'History of the universe" (12:17)
Las cosas comunes acerca el nosotros y el trabajo en Jennifer Bartlett son el zanco entre los hechos más irresistibles sobre ella: esto creciendo en California a la edad de cinco ella anunció a su madre que iba a ser un artista y vivía en Nueva York; que ella convirtiera una permanencia deprimente en el Chalet triste francés de Piers Peel Leído en una serie aturdidora de materiales gráficos; que ella diera un tema acuático a una otra serie más famosa en pinturas bajo la noción equivocada que Atlanta fue localizada sobre o cerca del mar; aquellos años antes del juego de un movimiento inorganizado de mujer, ella contra- aterrorizado con sus compañeros de clase masculinos de arte de la escuela por el empleo de ensanchadores, lonas enormes, de gran tamaño; o que su primer espectáculo de galería principal a la edad de veinticinco años causó la crítica muy favorable, rara de la primer página en las Artes de veces de domingo terminan la sección de ocio, y la venta casi inmediata del trabajo entero.
Considerando todo lo qué ha sido escrito sobre la calidad "de narrativa" de mucho en la pintura de Bartlett, el no se sorprender que ella debería haber producido una novela también. Aunque la mayor parte de la Historia del Universo al principio fuera escrito en los años 70, esto desde entonces ha sido revisado y corregido abajo una fracción en su enorme longitud, y fue publicado tarde el año pasado. Después como esto hace el curso de un artista de mujer acertado de California a New York y Europa al temprano mundo Soho de arte, esto ha sido etiquetado autobiográfico por algunos observadores."Esto no es completamente autobiográfico", Bartlett dice en la defensa. "Esto es una acusación esto es nivelado contra cualquier primera novela. Esto había sido mi interés, pienso esto habría sido escrito de manera muy diferente". Ella escogió el paso el que ella lee sobre la grabación, ella dice: "porque esto era el tema verdadero del libro: la muerte en un padre y como esto afecta la familia entera". Aunque Bartlett una vez pensara ilustrar el libro, ella eventualmente "comenzó a realizar y comprender que no era interesante hacer dibujos", y decidió las fotografías en cambio. Ella rápidamente observa que no es "realmente esto interesado en la fotografía, usándolo sobre todo para la toma de nota". La única cámara, la que alguna vez he usado, "ella dice: es uno de aquel foco automático, automática - cámaras que usted justo empuja el botón. Esto es mi equipo fotográfico y esto es el grado de mi compromiso". Sin embargo, uno apenas puede no lograr notar la semejanza entre sus imágenes fotográficas y muchos de los temas centrales de su pintura y escultura.
Gracias a Libros de Nimbus & Moyer Bell Ltd. Recorded March 1985-June 1986
Apunte de notas: Peter Occhiogrosso
Curated by Jeff & Juanita Gordon
Philips 2x LP (420 273-1)
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